EL MUNDO REAL

LA HABITACIÓN. Dirección: Lenny Abrahamson. Guion: Emma Donoghue, basado en su propia novela. Fotografía: Danny Cohen. Música: Stephen Rennicks. Intérpretes: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macey, Megan Parks, Sean Bridgers.

4 NOMINACIONES AL OSCAR: MEJOR PELÍCULA, DIRECCIÓN, ACTRIZ (Brie Larson) Y GUIÓN ADAPTADO.

En los últimos años hemos asistido espantados a sucesos similares a los que acontecen en "La habitación", pero este filme del director irlandés Lenny Abrahamson no se basa en ningún caso en concreto y eso hace que se libre de la losa que supone el subtítulo de "basado en una historia real".

 La película ofrece una primera parte sobrecogedora donde sientes la desesperación y la tenacidad de esa madre que hace lo inimaginable para que su hijo consiga sentirse feliz en el inusual entorno en el que les ha tocado vivir. Al mismo tiempo, sientes una infinita empatía y compasión por ese niño, ante la durísima prueba a la que se tiene que enfrentar.

Tras esta estremecedora y tensa primera mitad, se siente el riesgo de que la película ya haya contado todo lo que tenía que contar. Sin embargo y aunque no resulta tan sobresaliente, la segunda parte es un interesante y también conmovedor drama sobre las dificultades para adaptarse a un mundo nuevo por parte de la pareja protagonista. De esta manera, esta película que en realidad son dos, supone una experiencia de esas que se anclan en el espectador y nos sacuden por dentro. Aunque al filme no le sobra absolutamente nada, siento curiosidad por algunos detalles que me hubiera gustado que tuvieran algo más de desarrollo.

En el apartado interpretativo tenemos a Brie Larson, a quien descubrimos en la estupenda y poco conocida  "Las vidas de Grace ("Short term 12") y que ofrece un trabajo extraordinario donde se mezclan la ternura, la rabia y la angustia. Pero, sinceramente, lo que nos deja impresionados es la sorprendente labor del pequeño Jacob Tremblay: pocas veces un trabajo infantil me ha resultado tan creíble e impactante. No se explica su ausencia en las candidaturas al Oscar de este año.

Así pues, nos encontramos ante un contundente filme cuyo director ha sabido sacar el máximo partido a todos sus componentes: la impecable narración y su bien dosificado ritmo, los citados trabajos interpretativos y la capacidad de conmover e implicar al espectador. Es cierto que "La habitación" puede llegar a incomodar a los espectadores más sensibles y que su identidad de dramón en toda regla ahuyentará  a los que quieren vivir experiencias más ligeras, pero desde "Espérame en el cine" os recomiendo que acompañéis a Joy y a su pequeño Jack  para vivir y sentir esta inquietante y muy interesante historia.

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CALIFICACIÓN: 8

LA VERDAD OCULTA

SPOTLIGHT. Dirección: Thomas McCarthy. Guion: Thomas McCarthy y Josh Singer. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Música: Howard Shore. Intérpretes: Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, Brian D'Arcy James, Billy Cudrup.

6 NOMINACIONES AL OSCAR: MEJOR PELÍCULA, DIRECCIÓN, ACTOR DE REPARTO (Ruffalo) ACTRIZ DE REPARTO (McAdams), GUIÓN ORIGINAL Y  MONTAJE.

Spotlight es el nombre de un equipo de periodistas del Boston Globe especializados en asuntos de investigación. La película nos cuenta la complicada labor de estos reporteros cuando intentaron desenmascarar a la archidiocésis de Boston por su silencio sobre numerosos casos de pederastia ocultados durante décadas. Este filme está dirigido por Thomas McCarthy, artífice de notables títulos del cine independiente como "Win Win", "The Visitor" o "Vías cruzadas".

Mark Ruffalo.

La película presenta a sus personajes e introduce su argumento exigiendo al espectador una mínima atención inicial  en cuanto a nombres y diferentes informaciones, sin embargo y poco a poco, lo va atrapando e implicando emocionalmente de manera admirable.
 Todo el filme está contado con un ritmo impecable y una calibrada dosificación de sus giros argumentales. Su magistral guion cuenta con diálogos y con una descripción de los protagonistas en los que nada sobra ni nada se echa en falta. Además del excelente pulso narrativo, McCarthy dota a su película del mismo rigor y seriedad que el que aplican sus protagonistas a su delicada investigación; no hay ningún sentimentalismo innecesario ni se recrea en hurgar en heridas buscando fáciles reacciones. Este estilo escogido por el director hace que la película nos llegue de manera más creíble y auténtica al espectador.

"Spotlight"  tiene la esencia de películas de los 70 como "Todos los hombres del presidente" o "Network: un mundo implacable", clásicos que hablaban de la labor de los medios con la misma intensidad y contundencia, causando el mismo efecto... el del buen cine.

 La película cuenta con un magnífico elenco de actores, tanto los protagonistas como los que tienen una breve aparición,  que ofrecen unos trabajos memorables. Son especialmente destacables las interpretaciones de Michael Keaton, que está aprovechando esta segunda carrera que se le abrió con "Birdman" y, por supuesto, un entregado Mark Ruffalo que llena de energía su personaje.

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El elenco de "Spotlight" premiado como mejor reparto en los galardones del sindicato de actores. (Bostonglobe.com)

En definitiva y a falta de ver más títulos candidatos al próximo Oscar, "Spotlight" no desentonaría como película triunfadora. Eso sí, sería imperdonable que no ganara al menos el premio al mejor guion original.  Una película imprescindible.

Keaton y McCarthy (sentado) con algunos de los protagonistas reales de "Spotlight"(huffingtonpost.com)

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CALIFICACIÓN: 8-9

LA CHICA MORIBUNDA

YO, ÉL Y RAQUEL. Dirección:Alfonso Gómez Rejón  Guión: Jesse Andrews, basado en su propia novela Fotografía: Chung-Hoon Chung Música: Brian Eno y Nico Muhly Intérpretes: Thomas Mann, Olivia Cooke, RJ Cyler, Nick Offerman, Connie Britton, Molly Shannon, Jon Bernthal, Katherine C. Hughes, Matt Bennet, Massan Holden.

Al parecer, los responsables de la traducción al español de "Yo, él y Raquel" no han querido arriesgarse con una traducción literal del título original, que sería "Yo, Earl y la chica moribunda". La alternativa empleada no recoge tanto la esencia de la película como lo hubiera hecho el original, pero aún así, no es el peor caso dentro de las horribles traducciones de títulos de las que tanto he comentado en este blog.

 "Yo, él y Raquel" viene precedida por importantes premios en el festival de Sundance y por un buen puñado de buenas críticas, datos que pronostican que será uno de los títulos más comentados del cine independiente norteamericano de esta temporada. No sabemos si correrá la misma suerte que producciones de corte similar como "Juno" o "Pequeña Miss Sunshine", pero de entrada anticipo que tiene virtudes para satisfacer a un amplio sector del público.

 La película narra la historia de Greg, un adolescente que ha logrado llegar al último año de instituto pasando desapercibido a nivel social pero con la satisfacción de llevarse bien con todo el mundo. Greg y su amigo Earl son dos jóvenes con mucho ingenio y una gran creatividad que plasman haciendo películas caseras. Lo que parece un año apacible previo a la universidad, dará un giro radical cuando Greg es obligado por su madre a visitar y animar a una vecina, compañera del instituto, enferma de leucemia.

 Lo primero que destaca de la película es la agilidad de sus ingeniosos diálogos, que resultan divertidos y totalmente creíbles. Aunque los protagonistas se rodean de personajes peculiares y algo caricaturescos, los de Greg y Rachel están muy bien matizados y logras empatizar plenamente con ellos. Al eficaz guión repleto de guiños cinéfilos, le acompaña un vistoso estilo visual, que aunque bebe de fuentes conocidas, le da bastante identidad al filme.

 El tránsito entre la comedia y el drama está bien calibrado y la película sale más que airosa de cualquier peligro de convertirse en un dramón lacrimógeno o en la típica comedia romántica. Así pues, que nadie se lleve a engaño, "Yo él y Raquel" no es una película sobre una adolescente enferma de cáncer, es una película sobre la amistad, la necesidad de ser reconocido y de conservar tu propia personalidad más allá de las etiquetas... Es decir, otra revisión de esa etapa llamada adolescencia, pero desde una perspectiva original y entrañable.

 Lo único que no me convenció del todo, además de algún momento repetitivo, es el uso que hacen sus creadores de un par de trampas en su narración para buscar, de manera clara y astuta, el efecto sorpresa en el público. A pesar de esto, "Yo, él y Raquel" tiene virtudes de sobra para llegar al público sin los citados trucos cuestionables y cumpliendo a rajatabla los cánones del cine independiente. En definitiva, una película encantadora.

VER TRAILER DE "YO , ÉL Y RAQUEL"

CALIFICACIÓN: 7

ESTRELLAS DE HOLLYWOOD QUE SE PASAN AL CINE INDEPENDIENTE

Es bastante habitual que las grandes estrellas del firmamento de Hollywood hagan concesiones y reduzcan sus abultados cachés para participar en películas de producción más limitada, sin los presupuestos ni las presiones controladoras de los grandes estudios. A fin de cuentas, estas incursiones en el cine más modesto dan, aparentemente, prestigio a sus carreras.

 Este es el caso de los dos estrenos "Mientras somos jóvenes" y "Ático sin ascensor", dos películas que conservan la marca del cine independiente y están protagonizadas por figuras como Ben Stiller, Naomi Watts, Diane Keaton o Morgan Freeman.

MIENTRAS SOMOS JÓVENES. Dirección: Noah Baumbach. Intérpretes: Ben Stiller, Naomi Watts, Amanda Seyfred, Adam Driver y Charles Grodin.

 Noah Baumbach es un habitual dentro del panorama independiente; sus películas siempre han gozado de las bendiciones de la crítica aunque nunca ha tenido gran repercusión en las taquillas. En "Mientras somos jóvenes" Ben Stiller y Naomi Watts interpretan a una pareja que ya han pasado los cuarenta y se encuentran desubicados en el entorno de su generación. Al conocer casualmente a una jovencísima y peculiar pareja, los protagonistas ven en ellos un estímulo y una nueva forma de disfrutar de la vida y apasionarse por sus trabajos.
 La película hace un buen retrato de todos sus personajes y su guión destaca por el ingenio y la inteligencia.  El filme entretiene y recuerda por momentos al mejor Woody Allen, tanto en su estilo como en la calidad de sus diálogos. Ahora bien, aunque es una historia bastante original, en su segunda mitad puede resultar algo previsible. Sus distintas reflexiones sobre cómo asumir el paso del tiempo, la honestidad en lo que hacemos y el esnobismo de manual, son bastante efectivas, pero el conjunto se queda como una película curiosa e interesante sin conseguir un especial calado en el espectador.

CALIFICACIÓN: 6-7

"ÁTICO SIN ASCENSOR" Dirección: Richard Loncraine. Intérpretes: Morgan Freeman, Diane Keaton y Cinthya Nixon.

Producida por el mismo Morgan Freeman, "5 flights up", ha sido llamada aquí con el soso título de "Ático sin ascensor". La cinta narra la historia de Ruth y Alex, una veterana pareja de Brooklyn que lleva cuarenta años en un quinto piso sin ascensor. Ante la incomodidad que supone acceder a su domicilio a medida que van envejeciendo, deciden ponerlo en venta. La lluvia de pujas de los diferentes compradores, la operación de su perrita y la búsqueda del nuevo piso se intercalan con los recuerdos de sus comienzos como pareja. A pesar de que su guión está muy bien estructurado combinando los diferentes planos argumentales y se dan situaciones muy inspiradas como la escena en la que abren las puertas a todos los interesados, a la película le pesa su condición de filme pequeño, íntimo y sencillo. Una película que no pasaría de ser un producto simplemente simpático y agradable si no fuera por la magnífica química y el magistral juego de miradas que ofrecen Morgan Freeman y Diane Keaton. Sin duda, ambos intérpretes son un valor añadido y consiguen que el resultado sea algo más que correcto.

CALIFICACIÓN: 6-7

GOOD VIBRATIONS

LOVE AND MERCY. Dirección: Bill Polad. Guión: Oren Moverman, Michael A. Lerner. Fotografía: Robert D. Yeoman. Música: Atticus Ross. Intérpretes: John Cusack, Paul Dano, Elisabeth Banks, Paul Giamatti.

 Puede que Brian Wilson, líder y principal compositor de los Beach Boys, no sea excesivamente conocido aquí. Sin embargo, su carrera, sus problemas mentales y la aparición en su vida tanto de su actual mujer como de su controvertido terapeuta, el Dr. Eugene Landy, dan de sobra para una película.

Paul Dano

 Para aquellos espectadores a quienes los biopics  les den un poco de pereza, hay una buena noticia: "Love & Mercy" no sigue el esquema habitual de este tipo de producciones, ya que esta estructurada en dos épocas diferentes ( los años 60 y los 80) que se van alternando durante toda la película. Además, para cada época, el personaje de Brian Wilson está interpretado por un actor diferente. En los gloriosos años 60 y el comienzo del declive personal de Wilson, el personaje está interpretado por Paul Dano. Por su parte, John Cusack se encarga de la época más oscura del mismo, los años 80. Ambos actores están estupendos compartiendo personaje; transmiten toda la problemática y mundo interior de Wilson sin caer en excesos gestuales ni actuaciones desmesuradas.

John Cusack.

 La película es, en conjunto, un producto estimable e interesante. Es cierto que hay momentos algo repetitivos que perjudican al ritmo global del filme, que hay personajes que hubieran merecido un paso menos fugaz y que a su director le da por algunas propuestas visuales que me dejaron bastante frío; pero en definitiva es una película muy correcta, bien interpretada y que, si no se conoce la biografía de Wilson, se sigue con mucha atención. 

Gran trabajo de Paul Giamatti com el Dr. Eugene Landy.

Elizabeth Banks.

 Como primera película de su director, hay que reconocer que es un debut que da "buenas vibraciones", como el título del single más vendido de los Beah Boys. Eso sí, para fans y nostálgicos del grupo, es una película imprescindible... Admito haberme sentido ignorante, ya que desconocía que algunas de las populares canciones que suenan en el filme eran creación de Wilson. Y es que no todo fueron temas surferos en la discografía de los Beach Boys.

Cusack y Dano con el verdadero Brian Wilson. Tanto Wilson y su mujer autorizaron y asesoraron el proceso de creación de la película. (classicalite.com)

CALIFICACIÓN: 6-7

MIS AMIGOS LOS VAMPIROS

LO QUE HACEMOS EN LA SOMBRAS. Dirección: Taika Waititi y Jemaine Clement. Guión:  Taika Waititi y Jemaine Clement. Fotografía: Richard Bluck, DJ Stipsen. Música: Plan ). Intérpretes: Jemaini Clement, Taika Waititi, Jonathan Brugh, Cori Gonzales Macuer, Stu Rutherford, Ben Fransham, Rhys Darby, Jackie Van Beek, Elena Stejko, Jason Hoyte, Chelsie Preston Crayford.

 Cuando compartes casa con amigos pueden surgir pequeños roces domésticos fruto de las costumbres de cada uno, pero el problema es aún más complicado si tanto tú como tus compañeros tenéis más de 200 años y sois vampiros. Hay que acordarse de correr las cortinas antes del amanecer; limpiar la sangre de las víctimas; decidir qué humano es amigo y cuál será asesinado y, sobre todo, ser discretos en general con el peculiar modo de vida de un vampiro.

 Partiendo de esta base, esta película podría ser una auténtica bobada o lo que realmente es, una comedia bastante ingeniosa y divertida en su mayor parte. La verdad es que sus autores, que dirigen, escriben y protagonizan la película, han sabido extraer todas las posibilidades de los personajes que han creado y uno intuye que se han divertido mucho planeando esta película.

  Aunque hay una línea argumental central, el filme parece una sucesión de gags bastante inspirados a un ritmo demasiado precipitado. Hay un montón de buenas ideas y personajes que se resuelven a golpe de elipsis. Parece como si tuvieran miedo a aburrirnos y muchos detalles deberían haberse desarrollado bastante más. Una lástima, porque todo esto provoca que el conjunto nos sepa a poco (ni siquiera llega a la hora y media reglamentaria) Destacan, principalmente, la calidad de todos sus intérpretes y un buen puñado de hilarantes guiños al género vampírico. 

 En definitiva, una película entretenida y simpática que podría haber dado más de sí. Gustará especialmente al público juvenil, de hecho, en los países en los que se ha estrenado ya se ha convertido en una comedia "de culto". Además, ha recibido el "Premio del público" en nada menos que 10 festivales, una buena señal del tirón popular de esta pequeña película de Nueva Zelanda.

CALIFICACIÓN: 6-7

CLASE PRÁCTICA PARA UNA NUEVA VIDA

APRENDIENDO A CONDUCIR. Dirección: Isabel Coixet. Guión: Sarah Kernochan. Fotografía: Manel Ruiz. Montaje: Thelma Schoonmaker. Intérpretes: Patricia Clarkson, Ben Kingsley, Grace Gummer, Sarita Choudhury, Jake Webber, Samantha Bee, Daniel Lavender, Matt Sallinger, Michael Mantell.

Wendy, una crítica literaria que vive cómodamente en Manhattan, ve como de la noche a la mañana su matrimonio se va al traste después de 21 años. Una de las tareas pendientes para comenzar una nueva vida es la necesidad de sacarse el carnet de conducir y por esta razón conocerá a Darwan, un taxista y profesor de autoescuela hindú. A partir de este momento, la complicadas vidas de ambos irán cambiando poco a poco a medida que se van sucediendo las clases prácticas de conducir.

 En esta ocasión, la directora Isabel Coixet dirige una película en la que no es autora del guión, algo que ya ocurrió en "Elegy" y en su próximo filme "Nadie quiere la noche". Este hecho puede llevarnos a pensar en que "Aprendiendo a conducir" es una película de encargo y que, por tanto, habrá una parte de su estilo personal que pueda perderse en el proceso. Esto sería una mala noticia si pensamos en conocidos guiones de Coixet como "Cosas que nunca te dije" o "Mi vida sin mí", pero puede ser algo bueno si recordamos la fallida "Mapa de los sonidos de Tokio".

Ben Kingsley y Patricia Clarkson.

 En cualquier caso, el guión lo firma Sarah Kernochan ("Sommersby", "9 semanas y media") y sinceramente es un trabajo notable y más que correcto, con diálogos estimables, personajes bien escritos y buenos detalles que hacen avanzar una interesante historia. Por su parte, Coixet no hace precisamente un ejercicio de estilo ni de cine de autor pero sí aporta sensibilidad y sutileza a esta bonita historia. 

 Pero sin duda, lo  mejor de la película es el magnífico trabajo de sus dos protagonistas que saben lucirse en dos personajes que parecen escritos a su medida. Sus miradas y silencios, bien calibrados por la directora, son un auténtico regalo para el espectador. 

 "Aprendiendo a conducir" es una película de esas que entra bien y mantiene el tono sin que nada chirríe especialmente ni te haga fruncir el ceño, como un viaje cómodo en un buen coche, sin baches ni frenazos... Valga la facilona comparación. Además, funciona como drama, comedia, crítica social, pero sobre todo, como una contenida y delicada historia sentimental.

 Sin embargo, algo pasa que no llega a ser una gran película; quizás  la aureola de cine pequeño, sencillo y sin grandes pretensiones que la precede y la envuelve durante todo su metraje, se vuelve en su contra e impide que llegue a sacudir y conmover realmente al espectador, quedando el conjunto en un muy agradable medio camino. En definitiva, una Coixet menos personal y nada arriesgada pero al mismo tiempo, una película eficaz y bonita.

CALIFICACIÓN: 7

ESPÉRAME EN CASA: BIG EYES de Tim Burton y LOVE IS STRANGE de Ira Sachs

BIG EYES de Tim Burton, con Amy Adams y Christoph Waltz.

 Viendo "Big Eyes" uno se alegra de que Tim Burton se aleje un poco de sus habituales fantasías, ya que últimamente parecía que estaba siendo absorbido por su propio estilo, especialmente, en su filme anterior; la mediocre "Sombras tenebrosas". Sin embargo, este hecho también juega en su contra, pues a "Big Eyes" le falta algo de personalidad. Salvo en determinados momentos y detalles, la historia de la pintora de los niños de ojos grandes y del indeseable de su marido, parece estar dirigida por cualquiera. Una película simplemente correcta y entretenida cuyo argumento podría dar más de sí. Lo mejor, sin duda, la  gran Amy Adams, toda una garantía de talento en cualquier película. No puedo decir lo mismo de Christoph Waltz que si bien ha estado magnífico en sus laureados trabajos con Tarantino, aquí lo encontré algo pasado de vueltas. Pasable.

CALIFICACIÓN: 5-6

LOVE IS STRANGE de Ira Sachs, con Alfred Molina, John Lihtgow y Marisa Tomei.

Ben y George son una pareja que llevan casi 40 años juntos y que deciden casarse después de la legalización del matrimonio homosexual en Nueva York. Todo indicaba que su vida iba a discurrir igual de apacible hasta que, casualmente, el colegio católico donde George imparte clases de música decide despedirle sin un motivo claro. La falta de ingresos en la pareja hace que tengan que abandonar su apartamento en Chelsea. La única manera de encontrar un sitio donde vivir temporalmente es tener que separarse; Ben se alojará en casa de unos amigos y George en la de su sobrino, casado y con un hijo adolescente. La dificultad de no poder estar juntos y la repentina irrupción en hogares ajenos, provocará una gran diversidad de situaciones que harán aflorar las buenas intenciones, la sensibilidad y también la incomodidad.

 "Love is strange" es una película que avanza pausadamente y nos cuenta un montón de cosas sin necesidad de recurrir a escenas de alto voltaje. La delicadeza con la que transmite el dolor, la frustración y las emociones, consigue crear momentos conmovedores. Cine intimista, sencillo y acompañado de interpretaciones de gran credibilidad. Una bonita película.

CALIFICACIÓN: 8

LA REDENCIÓN DE CHERYL STRAYED

ALMA SALVAJE. Dirección: Jean-Marc Vallée. Guión: Nick Hornby ( autobografía de Cheryl Strayed) Fotografía:  Yves Bélanger. Intérpretes: Reese Witherspoon, Laura Dern, Gaby Hoffman, Michiel Hussman, Thomas Sadoski, Kevin Rankin, Charles Baker. Brian Van Holt.

 Cheryl Strayed era una joven norteamericana cuya vida era un auténtico desastre autodestructivo. Su situación le llevó a tomar una decisión radical, un punto de inflexión en el que purgara todos sus males y le sirviera de auténtica redención. Su plan era caminar las más de mil millas de la conocida como Pacific Crest Trail, una ruta que va desde el desierto de Mojave hasta Canadá, pasando por todo tipo de paisajes, climas y relieves. 

Reese Witherspoon.

 La película contiene muchos detalles que despertarán la curiosidad del espectador, especialmente porque Strayed era una inexperta en estas lides y por las propias dificultades que van surgiendo en el camino. Es decir, que la parte aventurera del filme está bien contada y convence y entretiene a partes iguales. Sin embargo, la película tiene una segunda vertiente, la de las razones de Cheryl, sus traumas y pesadillas. En este caso, la narración usa un bombardeo de flash-backs efectistas que quizás anticipen demasiado algunos aspectos restando bastante interés por la historia. Su mensaje, claramente explícito, nos recuerda varias veces que no hay que arrepentirse de los errores pasados ya que de ellos se aprende  y porque ellos pueden ser el germen de grandes vivencias... No sé, imagino que la extraordinaria experiencia de Strayed le serviría para eso tan manido de "conocerse a uno mismo" pero como película ya os adelanto que no os va a descubrir nada del otro mundo. Además, sobre ella siempre acecha el peligro de ser una versión femenina de "Hacia rutas salvajes" de Sean Penn.

Laura Dern.

 Donde no hay duda es en el magnífico trabajo de Reese Witherspoon en un personaje bien descrito y al que saca un excelente partido. Su candidatura al Oscar es del todo merecida, no así la de Laura Dern como actriz de reparto que, estando bien, le falta bastante más presencia en la película que esas insuficientes ráfagas en las que aparece en pantalla. El personaje de Dern, vital en la historia, tendría que haber tenido más peso.

 En definitiva, "Alma salvaje" es una película aceptable con buenas interpretaciones, pero tanto Jean-Marc Vallée en la dirección como el escritor Nick Hornby en el guión, han tenido mejores ejemplos en el pasado. No es para mandarles hacer la Pacific Crest Trail y que se rediman en sus carreras, pero sí para animarles a que lo hagan como de verdad saben en futuras ocasiones.

CALIFICACIÓN: 6

La verdadera Cheryl Strayed.

La novela autobiográfica "Wild" donde Cheryl Strayed narró su experiencia, fue un éxito editorial y un libro alabado por su honestidad. A "Wild" le han seguido más escritos y Strayed se ha convertido en una autora de éxito. En su web http://www.cherylstrayed.com/ habla con detalle de sus diferentes experiencias y muestra bastantes imágenes reales de su gran aventura:

Recientemente, Strayed ha publicado en las redes sociales una foto de su madre:

SIN ESCRÚPULOS

NIGHTCRAWLER. Dirección: Dan Gilroy. Guión: Dan Gilroy. Fotografía: Robert Elswitt. Música: James Newton Howard.  Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed, Bill Paxxton, Kenin Rahm, Ann Cusack.

1 NOMINACIÓN AL OSCAR: MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Lou Bloom es un tipo que sobrevive entre engaño y engaño hasta que de manera casual, descubre una nueva manera de ganarse la vida: conseguir imágenes en vídeo de los crímenes y accidentes para venderlos a la cadenas sensacionalistas al mejor postor. A partir de este momento, su nueva dedicación se convertirá en una tarea obsesiva, enfermiza, por llegar el primero al lugar de los hechos y conseguir la imagen más gráfica y desagradable... Hay mucho dinero en juego.

El filme se revela rápidamente como una crítica a la falta de humanidad de muchos medios de comunicación donde la audiencia y el dinero se mide por minutos de sangre y vísceras. Como critica puede resultar fácil y obvia, pero a pesar de las barbaridades que hace y le instan a hacer a su protagonista, todo resulta incómoda y lamentablemente creíble. Además, la película se sirve de una trama bastante original que se sigue con interés creciente sin que nada te haga perder la atención o la implicación. Dan Gilroy, consigue una narración bien estructurada acompañada de un estilo visual muy atractivo y una estupenda banda sonora a cargo de James Newton Howard.

Jake Gyllenhaal borda la interpretación de este auténtico indeseable pero lo que verdaderamente me llamó la atención fue ver a una resucitada Rene Russo, quien no hacía nada desde los 90, salvo sus anodinos papeles en las películas de "Thor". Russo está magnífica como directora de un noticiero en horas bajas que sacrificará sus escrúpulos por mantener su trabajo.

 Salvo en el apartado de guion original, esta prometedora y recomendable opera prima no ha podido rascar más candidaturas a los premios Oscar; algo injusto especialmente en la categoría de actriz de reparto para Russo... ¿ Era necesaria la decimonovena nominación de Meryl Streep por su papel en "Into the woods"?... Sin embargo, en los BAFTA británicos ha conseguido 4 candidaturas: mejor actor, actriz de reparto, guión y montaje.

CALIFICACIÓN: 7

Curiosidades: el entorno de Dan Gilroy.

Rene Russo y Dan Gilroy

(zimbio.com)

Dan Gilroy debuta en la dirección y escribe el guión de "Nightcrawler", anteriormente sólo era conocido por ser co-guionista en filmes como "Freejack", "Apostando al límite", "The Fall" o "Misión explosiva"... Ninguna de estas producciones fue un gran éxito. Por otra parte, su hermano Tony Gilroy sí que ha corrido más suerte: también empezó como guionista y tuvo su gran momento cuando debutó en la dirección con "Michael Clayton". Esta película de 2007 y protagonizada por George Clooney ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto para Tilda Swinton y el propio Tony Gilroy fue candidato como director y guionista. Después del bombazo, Tony Gilroy hizo "Duplicity" con Julia Roberts y aceptó la responsabilidad de continuar la saga de Jason Bourne con Jeremy Renner en "El legado de Bourne". Ahora, tiene pendiente dos entregas más con el personaje de Bourne para los próximos años.

Volviendo a  Dan Gilroy, lleva casado casi 23 años con la actriz Rene Russo, lo que explica por qué para su debut en la dirección ha contado con ella y , además, le ha escrito un personaje bastante jugoso para una intérprete.

 Lo próximo de Dan Gilroy será el guión de una versión cinematográfica del superhéroe de Stan Lee "The Annihilator"

SANGRE, SUDOR Y... BAQUETAS

WHIPLASH. Dirección: Damien Chazelle. Guión: Damien Chazelle. Fotografía: Sharone Meir. Música: Justin Hurwitz. Intérpretes: Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser, Astin Stowell, Jayson Blair, Kavita Patil, Kofi Siroboi.

5 NOMINACIONES AL OSCAR: PELÍCULA, ACTOR DE REPARTO, GUIÓN ADAPTADO, MONTAJE Y SONIDO.

 Un prometedor y ambicioso percusionista consigue ingresar en un prestigioso conservatorio donde es seleccionado para formar parte del equipo de Terence Fletcher, director de banda conocido por sus métodos que van más allá de lo estricto y severo. 

 Lo primero que hay que advertir sobre "Whiplash" (título que hace referencia a una de las piezas que ensayan) es que no estamos ante una película sobre la carrera profesional de un músico con sus inicios, ascenso hasta la gloria, altibajos y demás... No, esta película de Damien Chazelle nos sumerge en un vibrante enfrentamiento profesor-alumno que supone uno de los duelos interpretativos más impresionantes de la temporada. "Whiplash" se sirve de un eficaz montaje y un estilo narrativo que literalmente arrastrará al espectador a una tensa sucesión de secuencias a cada cual más emocionante. Y es que esto es lo mejor del filme, esos momentazos tan bien elaborados técnicamente y que sirven de lucimiento a un colosal J.K. Simmons y un no menos eficiente Miles Teller. Simmons, gran favorito para el Oscar, ofrece un recital memorable que aporta bastante más que personajes similares como el militar de "La chaqueta metálica", "El sargento de hierro" o incluso aquel Lou Gossett Jr. de "Oficial y caballero".

Miles Teller y J.K. Simmons, sobresalientes.

 El filme coquetea peligrosamente con un mensaje del todo cuestionable y, personalmente, reprobable: la creencia de que es necesario sobrepasar todos los límites pasando por la vejación, la humillación y la tortura psicológica con el fin de extraer la genialidad de un artista. Aunque es cierto que la película advierte claramente  de las consecuencias fatales que pueden desembocar de esta mal entendida "cultura del esfuerzo", se recrea en ella rozando, a veces, el abuso y sensacionalismo. El camino por el que opta en su magistral escena final me deja un regusto incómodo pero, en cualquier caso, "Whiplash" no pretende ser una obra divulgativa, es una película de ficción y como tal hay que tomarla. Así pues, "Whiplash" es una película plenamente recomendable por sus múltiples virtudes y porque es una intensa e impactante experiencia cinematográfica que cala eficazmente en el espectador gracias a un ritmo narrativo que no deja espacio al aburrimiento.

CALIFICACIÓN: 7-8

10 curiosidades sobre "Whiplash"

1. "Whiplash" fue un cortometraje premiado en Sundance y en los BAFTA en 2013. Tras este éxito, Chazelle decidió hacer un largometraje con esta historia.
2. Damien Chazelle intentó ser músico de jazz antes de dedicarse al cine, pero según su opinión, nunca tuvo el talento para ser un gran artista.
3. El personaje de J.K. Simmons está inspirado en un profesor real que tuvo Chazelle en el instituto.
4. J.K. Simmons ya interpretó a este personaje en el cortometraje en el que se basa la película.
5. Damien Chazelle también ha sido guionista de otra película con el mundo de la música como base, la española "Grand Piano"
6. La primera película de Chazelle, "Guy and madeline on a park bench" (2009) nunca se estrenó en España.
7. La próxima película de Chazelle ("La La Land") también girará en torno al jazz y además, repetirá con Miles Teller como protagonista que encarnará a un pianista que se enamora de una aspirante a actriz (Emma Watson)
8. "Whiplash" consiguió el premio a la mejor película y el premio del público en el festival de cine independiente de Sundance.
9. A día de hoy, J.K. Simmons lleva nada menos que 27 premios como actor de reparto por su trabajo en "Whiplash"... No llevarse el Oscar sería una sonora sorpresa.
10. Aunque Miles Teller debió emplearse a fondo para demostrar sus dotes con la batería, no era algo del todo desconocido para él, como se muestra en esta foto de su adolescencia:

grolschfilmworks.com

CONDENADOS A ENTENDERSE

THE SKELETON TWINS. Dirección: Craig Johnson. Guión: Graig Johnson, Mark Heyman. Fotografía: Reed Morano. Música: Nathan Larson. Intérpretes: Bill Hader, Kristen Wiig, Ty Burrell, Luke Willson, Boyd Holbrook, Kathleen Rose Perkins.

 Seguro que alguna vez habéis oído hablar de esas extraordinarias coincidencias que se dan en las vidas de los gemelos aunque vivan separados. Sin entrar a valorar la veracidad de estas noticias asombrosas, la película "The skeleton twins" arranca con una anécdota de este estilo: Maggie y Milo son hermanos mellizos que viven cada uno en una costa de Estados Unidos y ambos deciden intentar suicidarse el mismo día. Este trágico suceso les pondrá de nuevo en contacto tras años de separación, y juntos intentarán ayudarse para arreglar sus catastróficas vidas. 

Kristen Wiig y BIll Hader en plena confesión.

 Esta película de Craig Johnson se mueve por terrenos dramáticos pero está salpicada de momentos geniales de humor. Hay que tener en cuenta que sus dos protagonistas son dos cómicos surgidos del famoso show televisivo "Saturday night live": Kristen Wiig ("La boda de mi mejor amiga", "La vida secreta de Walter Mitty) y Bill Hader ("La desaparición de Eleanor Rigby", "Tropic Thunder") demuestran  que quien sabe hacer reír, sabe hacer llorar y nos brindan unas actuaciones memorables en esta tragicomedia. Hay dos o tres secuencias donde la complicidad tanto de los actores como de sus personajes es tan lograda, que el filme supone un auténtico disfrute. 

Bill hader y Ty Burrel (Phil Dunphy en "Modern Family")

 Por otra parte, esta entrañable película está bien cimentada en un sólido guión que además de ofrecer ingeniosos diálogos, se sirve de sencillos detalles secundarios para dar más información de sus personajes sin caer en sobrantes y forzadas explicaciones. Por cierto, atentos a estos citados detalles, porque en alguno de ellos se guarda la clave del desenlace de la historia.  Imagino que estas virtudes, llevaron a esta película a conseguir el premio al mejor guión en el pasado festival de Sundance.

 "The skeleton twins" es una muy recomendable película donde debido a la inestabilidad de sus protagonistas, pasaréis de momentos hilarantes a otros bastante duros sin que ello suponga un bache excesivamente brusco en la narración. Quizás el filme sólo falla en ese complejo que parecen sufrir muchos de los notables títulos del cine independiente: tomarse tan en serio lo del menos es más a cualquier nivel cinematográfico... Y es que, no sé si valorarlo como defecto o virtud, pero uno sale de "The skeleton twins" con ganas de más.

CALIFICACIÓN: 7