LA SANGRE... SANGRE QUIERE.

MACBETH. Dirección: Justin Kurzel. Guión: Tod Louiso, Michael Lesslie, Jacob Koskoff  (basado en la obra de William Shakespeare) Fotografía: Adam Arkapaw. Música: Jed Kurzel. Intérpretes: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Paddy Considine, Davis Thewliss, Jack Reynor, Sean Harris, Julian Seager, David Hayman.

Hay que reconocer la valentía del director australiano Justin Kurzel por llevar de nuevo a la gran pantalla esta obra clásica de William Shakespeare; no por la adaptación en sí, sino porque anteriormente lo hicieron nada menos que Orson Welles, Roman Polanski o Akira Kurosawa.

 La verdad es que Kurzel puede estar bien orgulloso de su versión y sale más que airoso de cualquier comparación. Su "Macbeth" saca un gran partido del texto de Shakespeare y extrae del mismo toda su fuerza y desgarro, logrando una experiencia cinematográfica brutal.

Y no sólo ha sabido exprimir el texto, también sus dos protagonistas hacen un trabajo tan entregado y tan visceral que se adueña de la pantalla. Fassbender tiene literalmente al personaje metido dentro y transmite a la perfección esa espiral de ambición desmedida y sangrienta violencia en la que poco a poco va entrando su personaje. Por otra parte, la Lady Macbeth de Cotillard con sus cambios y contradicciones y con ese monólogo final en un primerísimo plano, es también digna de todos los elogios.

Kurzel acierta al compaginar alguno de los monólogos de Macbeth en off con otras secuencias, para que el resultado cobre mayor dinamismo visual. Aún así puedo entender que  la complejidad del texto y esas escenas en las que yo disfruto boquiabierto de las reflexiones tan bien transmitidas por sus protagonistas, puedan resultar algo densas para parte del público que no tenga muy claro lo que ha acudido a ver.

  Aunque hay algún momento de cámara lenta que me sobró, hay que admitir que el director ha dado un buen uso de las técnicas y efectos actuales para integrarlos en unas escenas de lucha de gran veracidad. Sin embargo, más allá de la cuidada ambientación o el vestuario, lo que le da a este "Macbeth" un potente estilo visual es la impresionante fotografía de Adam Arkapaw: esas luces entre la niebla de la batalla; esas estancias iluminadas por velas y sobre todo, esa sobrecogedora parte final en una atmósfera enrojecida, hacen de esta película un magnífico espectáculo para la vista.

 En definitiva, una película que gustará a los amantes del texto clásico, de las interpretaciones sobrecogedoras y de los ejercicios de estilo cinematográfico. Además, yo creo que gozará de la aprobación de los más puristas expertos en la obra de Shakespeare;  algo que, por otra parte, tampoco me quita el sueño.

VER TRAILER DE "MACBETH"

CALIFICACIÓN: 8

RACIÓN DOBLE DE LUCHADORAS

SUFRAGISTAS. Dirección: Sarah Gavron. Guión: Abi Morgan. Fotografía: Eduard Grau Música:  Alexandre Desplat. Intérpretes: Carey Mulligan, Ben Whishaw, Anne Marie-Duff, Helena Bonham-Carter, Brendan Gleeson, Meryl Streep, Romola Garai, Samuel West, Geoff  Bell, Natalie Prest.

En los comienzos del siglo XX un grupo de mujeres británicas emprendió una contundente lucha de desobediencia civil para lograr el voto femenino. Hartas del machismo socialmente aceptado; de cobrar menos trabajando más horas; de ser consideradas intelectualmente más débiles y de sufrir continuas vejaciones por el hecho de ser mujeres, comenzaron a organizarse para exigir al gobierno su derecho a decidir.

 El gran potencial divulgativo que contiene la historia de "Sufragistas" ya es de por sí un buen motivo para acudir a verla o incluso para mostrarla en centros educativos. La película mantiene un tono intenso en todo momento y no escatima en crudeza, lo que la convierte en un potente drama; un efectivo grito de guerra que nos recuerda que aún queda bastante por hacer en el ámbito de las desigualdades por género.

 Esta estupenda historia que es transmitida a través de un correcto guión, unas actrices magníficas y una impecable ambientación, no terminan de encajar con la dirección de Sarah Gavron. Si bien la directora acierta en el tono, no me convencen ni ese exceso de primeros planos ni esos confusos y descontrolados movimientos de cámara que, especialmente en la primera parte del filme, me hacen fruncir el ceño. Gavron no hace precisamente un personal ejercicio de estilo y aunque capta nuestra atención no consigue conmovernos como debería, teniendo en cuenta el pedazo de material y de actrices con los que cuenta. Aún así, recomendable.

VER TRAILER DE "SUFRAGISTAS"

CALIFICACIÓN: 6-7

NADIE QUIERE LA NOCHE. Dirección: Isabel Coixet. Guión: Miguel Barros. Fotografía: Jean Claude Larrieu. Música: Lucas Vidal. Intérpretes: Juliette Bonoche, Rinko Kikuchi, Gabriel Byrne. Matt Sallinger, Benizar Vinev.

 Josephine es una decidida y valiente mujer que inicia una arriesgada expedición para encontrarse con su marido, el explorador Robert Peary,  y alcanzar junto a éste el ansiado Polo Norte. En su camino conocerá a una mujer esquimal que se convertirá en un personaje clave en su personal aventura.

 Tras un comienzo en el que no sabes muy bien por dónde van a ir los tiros, la historia se centra en la relación de estas dos mujeres unidas irremediablemente por una misma causa. Es aquí donde sale a relucir el estilo Coixet y ese gusto por las historias intimistas en entornos y situaciones  poco comunes o incluso extremas; y eso que esta vez el guión no está firmado por la directora. Esta original historia de amistad y supervivencia sabe dosificar sus sorpresas y  consigue mantenerme muy enganchado a medida que avanza su trama. La película está bien reforzada por no pocas virtudes: además del trabajo de sus dos protagonistas, destaca el buen aprovechamiento de los escenarios naturales que hace el director de fotografía Jean-Claude Larrieu y la música de Lucas Vidal.

 Todo funciona a la perfección a pesar de lo increíble que pueda resultar la historia, salvo en la manera de rematar la misma. El desenlace en sí es lógico, pero se obvia de manera forzada y sin dar explicaciones algo que el espectador está esperando durante toda la película. A pesar de este final desaprovechado, el conjunto tiene personalidad, logra mi interés en todo momento y es visualmente envolvente. Un buen ejemplo del cine de su autora. 

VER TRAILER "NADIE QUIERE LA NOCHE"

CALIFICACIÓN: 6-7

EL HOMBRE NO ES EL MEJOR AMIGO DEL PERRO

WHITE GOD. Dirección: Kornél Mundruczó. Guión: Kornél Mundruczó, Victoria Petranyi, Kata Wéber. Fotografía: Marcell Rév. Música: Asher Goldsmichdt. Intérpretes: Zsófia Psotta, Zandor Zsótér, Lili Hórvath, Szabolcs Turókzy, Lili Monori, Gergely Bánky, Tamás Polgár, Károly Ascher.

 Debido a unas severas normas impuestas a los perros que no son de raza pura, la joven Lili ve como es separada de su querido perro Hagen. A partir de aquí, la película nos narra paralelamente las vidas de ambos seres; antes inseparables. Mientras Lili trata de buscar al perro y de adaptarse a una nueva situación familiar, Hagen tendrá que arreglárselas para huir de los captores de la perrera o de sobrevivir en manos de un entrenador de luchas ilegales de perros.

Si después de esta brevísima sinopsis alguien piensa que estamos ante la lacrimógena historia de una niña y su perrito, que se quite absolutamente esa idea de la cabeza. En primer lugar, lo que ofrece White God es una más que evidente alegoría sobre la opresión y la discriminación racial, eso va quedando claro desde el principio. Sin embargo, en su tramo final, el filme va más allá y se convierte en una interesante versión canina de Espartaco o incluso del flautista de Hamelin  si nos lanzamos a lo loco a buscar referencias. 

En segundo lugar "White God" es un entretenidísimo relato con tintes de thriller terrorífico y de drama desgarrador que muestra el peor lado del ser humano. La película está contada con buen pulso y aunque a veces caiga en efectismos un poco burdos, es indudable que te atrapa desde el principio hasta su impactante tramo final. Quedará en la retina del espectador la belleza de alguna de sus potentes secuencias y la impresionante mirada de la joven protagonista.

 Sin duda, esta fábula conmovedora que es "White God" ha sido una sorpresa en esta cartelera que últimamente parecía no levantar cabeza. Una película que marca la diferencia y que sin ser perfectamente redonda resulta curiosa y recomendable.

CALIFICACIÓN: 7

Más curiosidades sobre "White God"

"White God" consiguió el premio a la mejor película de la sección "Un certain regard" del festival de Cannes 2014. Así de elegante lució uno de los dos perros protagonistas ante las cámaras de la prensa. Para el costoso y largo rodaje de la cinta, todos los perros que  se utilizaron provenían  de diferentes perreras y una vez acabada la película, se ha conseguido la adopción de todos ellos en familias. Además, no se ha utilizado ningún efecto digital para la expresividad de los mismos  o para las escenas de acción, lo que resulta muy llamativo en le caso del protagonista canino del filme... Todo un actorazo.

LOS NIÑOS DAN LA LECCIÓN

NUESTRO ÚLTIMO VERANO EN ESCOCIA. Dirección: Andy Hamilton y Guy Jenkin. Guión: Andy Hamilton y Guy Jenkin. Fotografía: Martin hawkins. Música: Alex Heffes. Intérpretes: Rosamund Pike, David Tennant, Bill Connolly, Ben Miller, Celia Imrie, Emilia Jones, Amelia Bullmore, Bobby Smalldridge, Alexia Barlier, Imogen Toner, Kirstin Murray.

 Un matrimonio en crisis total con tres hijos que son más graciosillos que graciosos, viajan a Escocia para reunirse con el resto de la familia con motivo del cumpleaños de su pintoresco abuelo; un hombre que está  de vuelta de todo. El filme arranca con ritmo, con el dinamismo de una comedia algo alocada pero que no consigue arrancarme más que una media sonrisa. 

Rosamund Pike ("Perdida") y David Tennant

 Cuando ya me estaba temiendo lo peor, ocurre un giro argumental que me borra de un plumazo el ceño fruncido de desconfianza con el que estaba tragándome la película. El hecho en sí, que no pienso desvelar, tiene ingenio, mucha gracia y además, está sorprendentemente protagonizado por los niños; convirtiéndose con pleno derecho en los auténticos protagonistas de la película. Este suceso le sirve a esta comedia para mantener un buen nivel y permitirse un par de sorpresas divertidas más.

Bill Connolly con dos de los niños de la película.

 Sin embargo, en su tramo final se opta por el azúcar en grandes dosis y ese machacante mensaje de que hay que fijarse en los niños para observar los errores de los adultos. Una musiquita acaramelada adorna este último tercio y poco a poco me hace volver al estado inicial.

 El conjunto se reduce a un producto entretenido sin más y sobre él acecha constantemente la sombra de las temibles comparaciones... Y es que en todo momento la película nos recuerda a esa pequeña joya que es "Pequeña Miss Sunshine"; incluso se permiten un innecesario guiño a la misma. 

 En definitiva, una peliculilla que mejor me habría sentado en un sofá de sobremesa que en la sala de un cine. Eso sí, la mayoría del público se reía... Será cosa mía, que soy muy exigente.

CALIFICACIÓN: 6

SUITE FRANCESA

SUITE FRANCESA. Dirección: Saul Dibb. Guión: Matt Charman, Saul Dibb ( novela de Irène Némirovsky) Fotografía: Eduard Grau. Música: Rael Jones. Intérpretes: Michelle Williams, Matthias Schoenaerts, Kristin Scott Thomas, Sam Riley, Margot Robbie, Rith Wilson, Lambert Wilson, Eileen Atkins, Alexandra Maria Lara, Tom Schilling.

La adaptación de una novela de gran calado siempre es un acto de valentía, especialmente a la hora d decidir qué personajes y situaciones requieren más profundización en su puesta en escena cinematográfica. El director Saul Dibb ("La Duquesa") y su guionista, han hecho un trabajo correcto a la hora de concentrar todo el material de "Suite francesa" en una película de menos de 2 horas. Siempre se dará el caso de lectores que echarán en falta según qué cosas y en general, se nota como la película se recrea poco en personajes que podrían dar más de sí. Sin embargo, como adaptación es más que aceptable y se entiende que se haya buscado la parte más atractiva de cara a llenar las sala de cine. 

Michelle Williams ("Brokeback mountain", "Blue Valentine" , "Mi semana con Marylin" y Matthias Schoenaerts ("De óxido y hueso", "La entrega")

 Ahora bien, lo que sí le reprocho al director es un poco más de riesgo en la historia de Lucille. El material de partida da para crear situaciones aún más tensas o incluso incomodidad en el público al plantearle una relación tan sincera como imposible. Pero Dibb opta por ser comedido en este aspecto. La parte buena es que este conservadurismo también lo aplica echando el freno en momentos edulcorados o sentimentales que, afortunadamente, nunca llegan. 

Kristin Scott Thomas

 Así pues, estamos ante una historia bien contada, visualmente atractiva y que captará la atención de un amplio sector del público, pero le falta garra y pasión para hacer realmente justicia a la novela en la que se basa. Lo que hace que el filme sea algo más que correcto es, por una parte, la intensa veracidad que desprenden Michelle Williams y Matthias Schoenaerts y por otra, la magnífica banda sonora que acompaña el filme. En definitiva, una película con ingredientes de sobra para encandilar al gran público y que resultará bastante aceptable, sin entusiasmos, para los que somos algo más exigentes.

CALIFICACIÓN: 6-7

La obra inacabada de Irène Némirovsky

Irène Némirovsky nació en Kiev en 1903. Creció en el seno de una acaudalada familia judía, ignorada por su madre y adorada por su padre; uno de los banqueros más importantes de Rusia. Aunque rodeada de lujo y comodidades, su infancia fue desdichada y solitaria; siempre bajo la tutela de institutrices y educadores. Iréne descubrió en la lectura y escritura su personal refugio y vía de escape.

  Cuando estalló la revolución de 1917, la familia Némirovsky huyó a París donde rápidamente se estableció continuando con la vida a la que estaban acostumbrados en Rusia. Desde sus primeras publicaciones en Francia, Irène destacó como una brillante autora y toda la crítica nacional se sorprendió de la madurez e inteligencia que, pese a su juventud, demostraba en sus obras. Fue entonces la mejor época para Iréne: una joven autora de prestigio, que frecuentaba elegantes eventos sociales y que conoció a quien sería su marido y padre de sus dos niñas: Mijaíl Epstein.

 Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial y la ocupación francesa, Irène y su marido confiaron sus hijas a una criada con el fin de protegerlas. Iréne y más tarde su marido, fueron enviados a Auschwitz donde murieron en 1942. Las niñas fueron escondidas de colegio en colegio, de orfanato en orfanato, huyendo de los gendarmes colaboracionistas. Su abuela, que consiguió sobrevivir a la persecución, se desentendió de las niñas y éstas siguieron su periplo por Francia hasta que, por fin, la guerra terminó. Entre las pertenencias que llevaban consigo las niñas, había un cuaderno de su madre con el manuscrito de una obra inacabada. Muchos años después, una de sus hijas se decidió a mecanografiarla y enviarla a una editorial. Esta obra, llamada "Suite francesa", fue el hallazgo editorial del año 2004 en Francia y traducida a más de treinta idiomas.

Con esta premisa, uno comienza la lectura de "Suite francesa" con una emoción especial. Saber la difícil andadura que ha tenido esta obra hasta que, casi milagrosamente, está hoy día al alcance del público, hace su lectura más apasionante. Concebida como una obra de cinco partes, Némirovsky sólo pudo concluir dos de ellas: "Tempestad en Junio" y "Dolce". "Suite francesa" nos cuenta las diferentes vivencias de varios personajes que huyen de la ocupación alemana. Nos muestra cómo las situaciones extremas sacan a relucir la verdadera naturaleza de las personas y cómo la guerra no entiende de clases sociales. Némirovsky pone su mirada más incisiva sobre la clase más pudiente a la que ella pertenecía, y hace un retrato muy preciso de la burguesía y de la sociedad francesa en general. Un libro extraordinario.

LOS BÉLIER, UNA FAMILIA DIFERENTE

LA FAMILIA BÉLIER. Dirección: Eric Lartigau. Guión: Victoria Bedos, Thomas Bidegain, ERic Lartigau, Stanislas Carré de Malberg. Fotografía: Romain Winding. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine, Intérpretes: Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Éric Elmosnino, Roxane Duran, Ilian Bergala, Luca Gerbleg, Clemence Lassala.

Los Bélier son una familia que vive de la elaboración y venta de quesos en su granja situada en un pequeño pueblo. Lo único que resulta peculiar de esta familia es que tanto el padre, la madre como el hijo pequeño son sordos; sólo la hija mayor, Paula, es oyente. Debido a este hecho, Paula, de 16 años es un soporte fundamental para las relaciones de su familia con cualquier tipo de comunicación, sea una visita al médico o un proveedor de la granja. El asunto se agrava cuando un profesor de Paula, descubre en ella un prometedor talento para el canto. 

Éric Elmosnino como profesor de música.

  El filme ha sido un gran éxito en su país con 7 millones de espectadores y ha empezado con muy buen pie en la taquilla española para ser un filme europeo. Lo del taquillazo en el país vecino no tiene por qué ser una garantía de calidad ( a mí "Intocable" nunca me pareció que fuera para tanto) pero es muy fácil dejarse llevar por esas evidentes intenciones de agradar que tiene la película. Es indudable que "La familia Bélier"  cae simpática y es capaz de hacer pasar un buen rato a una amplia diversidad de público. Tanto la curiosidad que despierta a su historia, como algunos momentos realmente divertidos y unos actores magníficos, suponen un cóctel perfecto para ser un éxito garantizado.

François Damiens y Karin Viard.

 El tono general y la resolución de alguna escena corre el riesgo de caer en sentimentalismos, pero aunque parece que por momentos vaya a sucumbir en esta fácil salida, todo se recibe de forma muy natural por parte del espectador. Así, sus posibles debilidades en este aspecto son más que perdonables ante el encanto generalizado de la cinta. 

 Ahora bien, donde sí que veo un aspecto cuestionable es en el desarrollo de las subtramas que acompañan a la historia principal, ya que comienzan con fuerza pero acaban siendo finiquitadas en su guión con bruscos brochazos. Quizás este problema se deba a que en dicho guión hayan metido mano hasta 4 personas diferentes. De esta manera, la película pasa por un momento en el que parece que no saben qué más contarnos para rápidamente decantarse de lleno por la historia central de Paula.

Louane Emera.

Una vez mencionada esta salvedad y viendo como está la cartelera, "La familia Bélier" es una opción aceptable, especialmente cuando se va al cine en grupo y pueden confluir diferentes gustos e intereses. Buen rollo y buenos intérpretes.

CALIFICACIÓN: 7

La revelación: Louane Emera

En la pasada edición de los premios César del cine francés, la joven de 19 años Louane Emera ganó el galardón a la mejor actriz revelación, único premio de los 6 a los que aspiraba la película. "La familia Bélier" ha sido el primer filme de Louane Emera, muy conocida en Francia por haber participado en la edición francesa del concurso musical televisivo "La Voz".

 Sin proyectos cinematográficos en camino, por el momento, la actriz y cantante ha sacado un disco a la venta, "Chambre 12", donde salen algunas de las versiones de Michel Sardou que canta en la película.

ESCLAVOS DEL DINERO

EL CAPITAL HUMANO. Dirección: Paolo Virzi. Guión: Paolo Viri, Francesco Bruni, Francesco Piccolo ( basado en la novela de Stephen Amidon) Fotografía: Jerôme Alméras y Simon Beaufils. Música: Carlo Virzi. Intérpretes: Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Fabrizio Gifuni, Valeria Golino, Luigi Lo Cascio, Matilde Gioli, Giovaanni Anzaldo, Guglielmo Pinnelli .

El atropello de un ciclista marcará el destino de una serie de personajes relacionados entre sí: un multimillonario con problemas financieros; la esposa de vida acomodada que se siente ninguneada; un ambicioso pero incauto inversor de clase media; una adolescente que se enamora de un muchacho de turbio pasado; una bondadosa psicóloga que espera gemelos y finalmente, el hijo del multimillonario, cuyo coche está misteriosamente implicado en el accidente.

Fabrizio Ventivoglio y Valeria Golino

 La película se estructura en capítulos en los que se narra el mismo período de tiempo desde el punto de vista de tres de sus protagonistas. En su tramo final, las diferentes versiones confluyen en un último capítulo que cierra su interesante argumento.

 La película hace un efectivo retrato de la sociedad italiana que bien podría aplicarse a nuestras tierras. A fin de cuentas, su mensaje nos recuerda no sólo que el dinero es el que manda, sino que por él, el ser humano es capaz de perder su dignidad o incluso su propia naturaleza, al ser reducido a una simple cifra o porcentaje económico en un informe.

La actriz y directora Valeria Bruni Tedeschi

 En sus primeros dos capítulos predomina una muy acertada crítica social matizada con astutos detalles, algunos de ellos muy sutiles. Quizás es el personaje de Valeria Bruni Tedeschi el que resulta más interesante: esa mujer aburrida de dinero, con un marido y un hijo que no la tienen en cuenta y que ve en la restauración cultural de su ciudad una digna manera de sentirse útil. El trabajo de Bruni junto con el de Fabrizio Bentivoglio como patético y ambicioso inversor, son los más destacables de la película.

Matilde Gioli.

 En su segunda mitad la eficaz crítica va pasando gradualmente al melodrama algo forzado y,sin dejar de ser una buena película, ya no resulta tan atractiva. Por otra parte, su principal inconveniente es que a pesar de estar bien escrita, estructurada e interpretada, ese esquema de historias cruzadas o de contar lo mismo desde los ojos de diferentes personajes ya lo hemos visto en otras ocasiones ("Amores perros", "Crash"...)  y por eso quizás no resulte tan potente ni innovadora. 

El dato curioso:

 "El capital humano" fue la última vencedora en los premios David de Donatello del cine italiano al alzarse con los premios a la mejor película, actriz (Bruni) actriz de reparto (Golino) actor de reparto (Gifuni), guión, montaje y sonido. Lo que más llama la atención de este hecho es que le arrebató el premio de mejor filme a la mismísima "La gran belleza"... Sin duda una decisión muy cuestionable.

CALIFICACIÓN: 7

ORGULLO Y MINEROS

PRIDE. Dirección: Matthew Warchus. Guión; Stephen Beresford. Fotografía: Tad Radcliffe. Música: Cristopher Nightingale. Intérpretes: Ben Schnetzer, Imelda Stauton, Monica Dolan, Billy Nighy, George McCay, Andrew Scott, Dominic West, Paddy Considine, Joseph Gilgun, Sophie Evans, Jesse Cave.

 Siempre se ha dicho que la unión hace la fuerza y así pensaron algunos miembros de la comunidad gay londinense, cuando en los años 80 decidieron solidarizarse y recaudar fondos para los mineros en huelga indefinida de Gales. El "enemigo", por decirlo de alguna manera, era prácticamente el mismo; así que lo único que hacía falta para la lucha en común era superar ciertas barreras y prejuicios.

 Con este planteamiento lo tenemos todo listo para hacer una buena comedia a partir de una base bastante dramática y aderezarlo con algunos momentos emotivos. Lo primero que uno va a percibir tras ver "Pride" es que funciona, ofrece un entretenimiento efectivo y logra conmover sin caer en excesos. La película desprende un buen rollo generalizado que consigue tapar aspectos cuestionables como el desarrollo demasiado esquemático y el trazo grueso con el que despacha algunos personajes. Si es que el guión no consigue abarcar como toca a la gran cantidad de personajes interesantes que entran y salen continuamente en "Pride"; ni tampoco le da tiempo a profundizar como es debido en ciertos temas.

 Sin embargo, aunque este inconveniente pesa, su descarada   intención de complacer al público entra tan bien, que lo mejor es dejarse llevar y pasar un rato muy agradable. Gran parte de esta sensación se debe a un variado y numeroso elenco de intérpretes que están sensacionales del primero al último. 

 En definitiva, un recomendable filme que, como sus protagonistas, se niega a ocultar su personalidad, que es en este caso, la de ser un dignísimo producto comercial... Y además, os recomiendo que busquéis un poco en la red el interesantísimo hecho real en el que se basa la película:

CALIFICACIÓN: 6-7

EL LOGRO SILENCIOSO

THE IMITATIOM GAME (DESCIFRANDO ENIGMA). Dirección: Morten Tyldum. Guión: Graham Moore, basado en el libro de Andrew Hodges. Fotografía: Óscar Faura. Música: Alexandre Desplat. Intérpretes: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Sttrong, Matthew Goode, Matthew Beard, Charles Dance, Allen Leech, Tuppence Middleton, Rory Kinnear, Tom Goodmaan-Hill, Hannah Flynn, Steven Waddington, James Northcote, 

 La gran hazaña de Alan Turing, encargado de descifrar los códigos nazis durante la Segunda Guerra Mundial, fue durante años un secreto del gobierno británico. Además de su papel clave en el conflicto, la máquina que él diseñó es considerada como el primer ordenador de la historia. Lamentablemente, Turing no sólo es conocido por su logro silencioso, la intolerancia de la época marcó injustamente su vida, por lo que esta película sirve como digno reconocimiento póstumo a un personaje excepcional.

 El director noruego Morten Tyldum tiene en sus manos una gran historia con material de sobra para hacer un peliculón. Lo cierto es que la primera sensación es la de estar ante una película en la que todo funciona a la perfección: el guión está magníficamente estructurado y contiene buenos diálogos; además, se recrea lo justo y necesario en todas las pequeñas subtramas que rodean al protagonista. En cuanto al apartado técnico: una ambientación que no escatima en detalles, fotografía del español Óscar Faura y una estupenda banda sonora del gran Alexandre Desplat. Vamos, que la película convence tanto por su contenido como por su envoltorio.

Benedict Cumberbatch y Keira Knightley.

El apartado interpretativo cuenta con un muy sólido trabajo del británico Benedict Cumberbatch, que se luce con un personaje que le va muy bien y, muy probablemente, estará entre los cinco candidatos al Oscar de este año. Por otra parte, Keira Knightley supone una buena coprotagonista consiguiendo que olvide la pequeña manía personal que le tengo.

El verdadero Alan Turing

(blogs.elpais.com)

Así pues, estamos ante una película prácticamente impecable en todos los sentidos, que en ningún momento pierde interés ni aburre. Sin embargo, le falta dar un pequeño paso para que en vez de un resultado muy satisfactorio sea la película profundamente conmovedora que podría haber sido. Quizás su director podría haber añadido a su eficaz academicismo un poco de toque personal o de riesgo en su estilo... Algo que nos haga palpitar y que haga que nos preguntemos ¿Quién es este director?. A pesar de todo, muy interesante y recomendable.

 CALIFICACIÓN: 7

A GOLPE DE TÓPICO

DIOS MÍO ¿PERO QUÉ TE HEMOS HECHO?. Dirección: Philippe de Chauveron. Guión: Philippe de Chauveron, Guy Laurent. Fotografía: Vincent Mathias. Música: Marc Chouarain. Intérpretes: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ary Abittan, Medi Sadouin, Frédéric Chau, Noom Diawara, Fredérique Bel, Julia Piaton, Ëmilie Caen, Élodie Fontan, Pascal Nzonzi.

 Claude y Marie son un matrimonio de vida acomodada que han tenido que tragarse su rancio conservadurismo al ver como tres de sus hijas se han casado respectivamente con un árabe, un chino y un judío. Cuando parece que la calma ha llegado a la familia, su hija pequeña y última esperanza de seguir sus convicciones, presenta a su prometido... Un negro.

 Mucho ingenio ha de tener un película para que, con semejante planteamiento, no se caiga en una colección de tópicos. Lamentablemente, no hay sorpresas, el filme es una retahíla de clichés sobre las diferentes razas y religiones y aunque se pretende hacer humor con ello y el mensaje de aceptación y tolerancia es claro, esta comedia francesa no consigue arrancarme más que dos o tres risas en sus 97 minutos.

Algunos de sus personajes están muy pocos trabajados, se reparte una peculiaridad a cada uno y la explotan sin variación durante toda la película: el yerno que come sin parar lo va a hacer durante todo el metraje del filme, la hermana hipersensible llora todo el tiempo por cualquier cosa, y entre bobada y bobada algún destello de ingenio bien reforzado por unos buenos intérpretes. 

Vamos, que para esto, prefiero ver de nuevo la española "8 apellidos vascos", que sin ser una gran película, jugaba con las mismas bazas con bastante más gracia, aunque imagino que la cercanía de su humor era una ventaja de cara al espectador español.

 Así pues, esta comedia mínimamente entretenida hará pasar un buen rato a los espectadores menos exigentes y será totalmente olvidable para el resto. Ahora bien, sabiendo que en Francia ha sido vista por nada menos que 12 millones de espectadores, cada vez me queda más claro que los exigentes somos minoría... Pues hale, vayan a verla y a reírse un rato, yo  ya les he advertido.

CALIFICACIÓN: 4

LUCES Y SOMBRAS

MR. TURNER. Dirección: Mike Leigh. Guión: Mike Leigh. Fotografía: Dick Pope. Música: Gary Yershon. Intérpretes: Timothy Spall, Paul Jeeson, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Lesley Manville, Karl Johnson.

El británico Mike Leigh, director de grandes obras como "Secretos y mentiras" o "El secreto de Vera Drake" nos cuenta en esta ocasión la última etapa de la vida del prestigioso pintor inglés J.M.W. Turner, conocido por sus impresionantes óleos de paisajes marítimos.

 En estos últimos años de su vida, Turner vivirá algunos sucesos que marcarán su carácter y tendrán influencia en la evolución de su obra. Como bien sabe hacer Mike leigh, todo es transmitido con un realismo y una credibilidad magnífica. El problema es que en ese empeño en  retratar con fidelidad máxima las diferentes vivencias del pintor, se cuelan algunas escenas que no son tan relevantes y lastran un metraje que roza las dos horas y media.  Esto hace que durante su primera parte  no sepa muy bien qué me quieren contar, todo es estéticamente perfecto y el texto es impecable, pero no sé muy bien cuál es el camino de su argumento. Pasada esta parte, la personalidad  controvertida de Turner y sus tinieblas íntimas van quedando más claras y la película no sólo convence sino que llega a cotas altísimas, ésas a las que Leigh nos había acostumbrado en otros filmes.

Por supuesto, el trabajo en la ambientación y la caracterización de los personajes no pasa desapercibido y además hay que destacar la labor del director de fotografía Dick Pope que, lógicamente, ha sabido plasmar la luz y el colorismo de la pintura de Turner, consiguiendo que sea una película visualmente muy bella. Por otra parte, tenemos la interpretación del protagonista Timothy Spall, uno de los actores fetiche de Mike Leigh; su sobresaliente trabajo refleja a la perfección ese contradictorio y tormentoso mundo interior de Turner que tan bien reflejaba en sus obras de naufragios y tempestades. Aunque Spall suelta algún gruñido de más, su premio en Cannes por este filme está más que merecido.

Así pues, "Mr. Turner" es una película llena de virtudes pero a la que le hubieran venido bien unos mínimos y escogidos tijeretazos que habrían evitado cierta dispersión de su contenido haciendo de ella una película redonda.

CALIFICACIÓN: 7

¿LA DESPEDIDA DE KEN LOACH?

JIMMY'S HALL. Dirección: Ken Loach. Guión: Paul Laverty. Fotografía: Robbie Ryan. Música: George Fenton. Intérpretes: Barry Ward, Simone Kirby, Andrew Scott, Jim Norton, Bryan F. O'Byrne, Francis Magee, Carl Geary.

El director británico, conocido por su cine social y combativo, anunció que este filme que nos ocupa sería el último de su carrera. Lo curioso es que su decisión no tenía nada que ver con sus 77 años, razón que sería del todo comprensible, sino que lo hacía por las dificultades para poder llevar a cabo sus rodajes. Al parecer el Sr. Loach tiene problemas para encontrar los materiales analógicos que utiliza en el montaje de sus películas, que por lo visto son difíciles de encontrar en la era digital. Posteriormente y al poder presentar el filme en el festival de Cannes dejó en el aire dicha decisión y confesó que el famoso anunció fue debido a un momento de presión por los continuos contratiempos para finalizar "Jimmy's Hall".

Ken Loach

(theguardian.com)

 En esta película  y gracias de nuevo a su guionista de cabecera Paul Laverty, nos cuenta la historia de James Galtron, un conocido activista comunista irlandés, centrándose en la problemática creada por la puesta en marcha de un centro cultural en su pueblo natal. Ken Loach es a menudo acusado de panfletario o maniqueo en el tratamiento de sus personajes, Sinceramente, nunca me ha importado demasiado que en el alguna ocasión se le vea el plumero con esos malos malísimos que oprimen al obrero,  y  tampoco me ha parecido un motivo para dejar de valorar su filmografía, donde encontramos un buen puñado de títulos memorables. "Jimmy's Hall" tiene un comienzo algo confuso, no sabes bien qué te quieren contar pero rápidamente su historia toma el rumbo adecuado y aunque es cierto que sí hay personajes que podrían revisarse, todo me resulta bastante  creíble. 

 Además, el tándem Loach-Laverty nos brinda varios momentos potentes y conmovedores donde podemos apreciar que el cine de Loach aún goza de buena salud. El problema es que al conjunto le falta garra, pulso narrativo y el material de partida podría haber derivado en una gran película... Pero no llega a conseguirlo.

 Ni el buen trabajo de Simone Kirby y Barry Ward, ni la fotografía de Robbie Ryan consiguen que el film pase de ser un título correcto dentro del cine de Loach. En definitiva, una película que convence sin entusiasmo y que no sería justo que fuera el broche final a una gran carrera de cine de denuncia social. Así que, Sr. Loach, cuídese mucho, asegúrese de tener esta vez todo el material manual que necesite para montar una película y póngase en marcha con un nuevo trabajo para poder dejar el cine por la puerta grande.

CALIFICACIÓN: 6

DRAMA SOCIAL A CONTRARRELOJ

DOS DÍAS, UNA NOCHE. Dirección: Jean-Pierre y Luc Dardenne. Guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne. Fotografía: Alain Marcoen. Intérpretes: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne, Simon Caudry, Catherine Salée, Batiste Sornin, Alain Eloy, Myriem Akkediou, Fabienne Sviascia, Olivier Gourmet.

La empresa en la que trabaja Sandra, una mujer que acaba de superar una baja por depresión, pone a sus empleados en la difícil tesitura de elegir entre su paga extraordinaria o que Sandra conserve su puesto de trabajo. Tras una primera votación en la que la gana el mantenimiento de la bonificación, Sandra consigue que convoque una segunda ronda y dispone de un fin de semana para tratar de convencer, uno a uno, casa por casa, a todos sus compañeros.

Hasta "Dos días, un anoche" sólo había visto dos películas de los hermanos Dardenne, suficiente para conocer su gusto por la crítica social y los dramas sin escapatoria. De la misma manera que en la estremecedora "Rosetta", una de sus primeras películas, el público empatizará con la protagonista y sufrirá con el corazón en un puño cada uno de los baches a los que se enfrenta. Gran parte de esta sensación se debe a esa grandísima intérprete que es Marion Cotillard. La actriz francesa lleva todo el peso de la película y poco a poco se va consolidando como la reina del drama a este lado del Atlántico.

Los Dardenne y Cotillard en la presentación del filme en Cannes.

(sensacine.com)

Me gusta ese modo de narrar que tienen los Dardenne, sin alardes ni efectismos en su técnica ni discursos panfletarios en sus diálogos. Así, la película resulta mucho más real , creíble y desprende una gran naturalidad. A veces hay que recordar a algunos directores que el público no es tonto y no necesitamos que nada sea excesivamente subrayado. 

"Dos días, una noche" fluye sin complicaciones al espectador y es una perfecta combinación entre drama social y personal, donde se nos muestra sin prejuicios ni caricaturas todo tipo de comportamientos y reacciones del ser humano.

Una de las escenas más conmovedoras del filme.

Es cierto que el grueso de su trama pueda acabar resultando reiterativo a parte del público, pero la inquietud por conocer el desenlace mantendrá a todos los espectadores en vilo. Los Dardenne no sólo saben mantener esa curiosidad sino que además nos regalan un tramo final que echa por tierra cualquier opción previsible y supone un magnífico cierre a la cinta.

Fabrizio Rongione y Marion Cotillard

"Dos días, una noche" es, en definitiva, una película notable y recomendable. Además, sirve como reflejo sincero y nada manipulador de los crueles tiempos que vivimos, porque todos, en mayor o menor medida, hemos conocido a alguien que haya pasado por la misma situación de la protagonista.

CALIFICACIÓN: 7-8