EL CRIMEN ARTÍSTICO DEL SIGLO

EL DESAFÍO. Dirección: Robert Zemeckis. Guión: Christopher Browne, Robert Zemeckis (basado en el libro de Philipe Petit) Fotografía: Darius Kohndji Música: Alan Silvestri. Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, Charlotte LeBon, Ben Kingsley, James Badge Dale, Cesar Domboy, Clement Sibony, Benedict Samuel, Victorio Rossi.

En 2008, el excelente documental "Man on wire" nos contaba la increíble hazaña de Philipe Petit; un joven francés obsesionado con la idea de cruzar de una torre a otra del World Trade Center haciendo equilibrismos sobre un cable de acero. La película aprovechaba de manera genial todo el material grabado y su director James Marsh ("La teoría del todo") imprimía un ritmo y una tensión digna del mejor de los thrillers de ficción.

Por esta razón y con el oscarizado documental bastante presente en la memoria, la idea de una película de ficción basada en esta historia se me antojaba innecesaria. Así pues, el taquillero Robert Zemeckis ("Forrest Gump", "Roger Rabbit" o "Regreso al futuro") nos presenta esta revisión de la historia y lo hace consciente de toda la técnica visual que puede aprovechar para recrear en imágenes lo que en su día fue considerado como "el crimen artístico del siglo"

 En su primera parte, donde nos cuentan los orígenes de Petit y cómo se va gestando su proeza, Zemeckis opta por una narración poco atractiva. Me sobra ese narrador que no haría ninguna falta con un guión en condiciones; me sobra también ese estilo naíf que parece envolverlo todo e incluso encuentro a Joseph Gordon-Levitt un poco pasado de vueltas al meterse en la piel del entusiasta Petit.

Es en el momento en el que la película se centra en el artístico delito, cuando el filme cambia y Zemeckis comienza a mostrarnos lo que mejor sabe hacer: sus auténticas virguerías cinematográficas. Así, lo que hasta ahora era un cuentecito con música edulcorada, se transforma en un thriller a ritmo de jazz que empieza a captar mi atención. Los momentos del peligroso paseo por el cable son tan creíbles que el espectador sentirá físicamente el vértigo y temblor en las piernas. Zemeckis sabe sacar el máximo partido a la aventura de Petit y logra momentos vibrantes y tensos a pesar de que muchos conozcamos el desenlace de la historia. Además, añade un acertado y bastante sutil homenaje (para lo que podría haber sido) a la tragedia del World Trade Center.

 "El desafío" es un claro ejemplo de una película que va de menos a más y su emocionante segunda parte compensa el muy cuestionable comienzo. Recomendable para los amantes de las experiencias fuertes.

Imagen real de Philipe Petit cruzando de una torre a otra (nydailynews.com)

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CALIFICACIÓN: 6-7

LA SANGRE... SANGRE QUIERE.

MACBETH. Dirección: Justin Kurzel. Guión: Tod Louiso, Michael Lesslie, Jacob Koskoff  (basado en la obra de William Shakespeare) Fotografía: Adam Arkapaw. Música: Jed Kurzel. Intérpretes: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Paddy Considine, Davis Thewliss, Jack Reynor, Sean Harris, Julian Seager, David Hayman.

Hay que reconocer la valentía del director australiano Justin Kurzel por llevar de nuevo a la gran pantalla esta obra clásica de William Shakespeare; no por la adaptación en sí, sino porque anteriormente lo hicieron nada menos que Orson Welles, Roman Polanski o Akira Kurosawa.

 La verdad es que Kurzel puede estar bien orgulloso de su versión y sale más que airoso de cualquier comparación. Su "Macbeth" saca un gran partido del texto de Shakespeare y extrae del mismo toda su fuerza y desgarro, logrando una experiencia cinematográfica brutal.

Y no sólo ha sabido exprimir el texto, también sus dos protagonistas hacen un trabajo tan entregado y tan visceral que se adueña de la pantalla. Fassbender tiene literalmente al personaje metido dentro y transmite a la perfección esa espiral de ambición desmedida y sangrienta violencia en la que poco a poco va entrando su personaje. Por otra parte, la Lady Macbeth de Cotillard con sus cambios y contradicciones y con ese monólogo final en un primerísimo plano, es también digna de todos los elogios.

Kurzel acierta al compaginar alguno de los monólogos de Macbeth en off con otras secuencias, para que el resultado cobre mayor dinamismo visual. Aún así puedo entender que  la complejidad del texto y esas escenas en las que yo disfruto boquiabierto de las reflexiones tan bien transmitidas por sus protagonistas, puedan resultar algo densas para parte del público que no tenga muy claro lo que ha acudido a ver.

  Aunque hay algún momento de cámara lenta que me sobró, hay que admitir que el director ha dado un buen uso de las técnicas y efectos actuales para integrarlos en unas escenas de lucha de gran veracidad. Sin embargo, más allá de la cuidada ambientación o el vestuario, lo que le da a este "Macbeth" un potente estilo visual es la impresionante fotografía de Adam Arkapaw: esas luces entre la niebla de la batalla; esas estancias iluminadas por velas y sobre todo, esa sobrecogedora parte final en una atmósfera enrojecida, hacen de esta película un magnífico espectáculo para la vista.

 En definitiva, una película que gustará a los amantes del texto clásico, de las interpretaciones sobrecogedoras y de los ejercicios de estilo cinematográfico. Además, yo creo que gozará de la aprobación de los más puristas expertos en la obra de Shakespeare;  algo que, por otra parte, tampoco me quita el sueño.

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CALIFICACIÓN: 8

RACIÓN DOBLE DE LUCHADORAS

SUFRAGISTAS. Dirección: Sarah Gavron. Guión: Abi Morgan. Fotografía: Eduard Grau Música:  Alexandre Desplat. Intérpretes: Carey Mulligan, Ben Whishaw, Anne Marie-Duff, Helena Bonham-Carter, Brendan Gleeson, Meryl Streep, Romola Garai, Samuel West, Geoff  Bell, Natalie Prest.

En los comienzos del siglo XX un grupo de mujeres británicas emprendió una contundente lucha de desobediencia civil para lograr el voto femenino. Hartas del machismo socialmente aceptado; de cobrar menos trabajando más horas; de ser consideradas intelectualmente más débiles y de sufrir continuas vejaciones por el hecho de ser mujeres, comenzaron a organizarse para exigir al gobierno su derecho a decidir.

 El gran potencial divulgativo que contiene la historia de "Sufragistas" ya es de por sí un buen motivo para acudir a verla o incluso para mostrarla en centros educativos. La película mantiene un tono intenso en todo momento y no escatima en crudeza, lo que la convierte en un potente drama; un efectivo grito de guerra que nos recuerda que aún queda bastante por hacer en el ámbito de las desigualdades por género.

 Esta estupenda historia que es transmitida a través de un correcto guión, unas actrices magníficas y una impecable ambientación, no terminan de encajar con la dirección de Sarah Gavron. Si bien la directora acierta en el tono, no me convencen ni ese exceso de primeros planos ni esos confusos y descontrolados movimientos de cámara que, especialmente en la primera parte del filme, me hacen fruncir el ceño. Gavron no hace precisamente un personal ejercicio de estilo y aunque capta nuestra atención no consigue conmovernos como debería, teniendo en cuenta el pedazo de material y de actrices con los que cuenta. Aún así, recomendable.

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CALIFICACIÓN: 6-7

NADIE QUIERE LA NOCHE. Dirección: Isabel Coixet. Guión: Miguel Barros. Fotografía: Jean Claude Larrieu. Música: Lucas Vidal. Intérpretes: Juliette Bonoche, Rinko Kikuchi, Gabriel Byrne. Matt Sallinger, Benizar Vinev.

 Josephine es una decidida y valiente mujer que inicia una arriesgada expedición para encontrarse con su marido, el explorador Robert Peary,  y alcanzar junto a éste el ansiado Polo Norte. En su camino conocerá a una mujer esquimal que se convertirá en un personaje clave en su personal aventura.

 Tras un comienzo en el que no sabes muy bien por dónde van a ir los tiros, la historia se centra en la relación de estas dos mujeres unidas irremediablemente por una misma causa. Es aquí donde sale a relucir el estilo Coixet y ese gusto por las historias intimistas en entornos y situaciones  poco comunes o incluso extremas; y eso que esta vez el guión no está firmado por la directora. Esta original historia de amistad y supervivencia sabe dosificar sus sorpresas y  consigue mantenerme muy enganchado a medida que avanza su trama. La película está bien reforzada por no pocas virtudes: además del trabajo de sus dos protagonistas, destaca el buen aprovechamiento de los escenarios naturales que hace el director de fotografía Jean-Claude Larrieu y la música de Lucas Vidal.

 Todo funciona a la perfección a pesar de lo increíble que pueda resultar la historia, salvo en la manera de rematar la misma. El desenlace en sí es lógico, pero se obvia de manera forzada y sin dar explicaciones algo que el espectador está esperando durante toda la película. A pesar de este final desaprovechado, el conjunto tiene personalidad, logra mi interés en todo momento y es visualmente envolvente. Un buen ejemplo del cine de su autora. 

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CALIFICACIÓN: 6-7

Y LA FUERZA DESPERTÓ

STAR WARS: EL DEPERTAR DE LA FUERZA. Dirección: J.J. Abrams. Guión: J.J. Abrams, Lawrence Kasdan, Michael Arndt. Fotografía: Daniel Mindel. Música: John Williams. Intérpretes: Daisy Ridley, John Boyega, Harrison Ford, Oscar Isaac, Carrie Fisher, Adam Driver, Lupita Nyong'o, Donham Gleeson, Anthony Daniels, Kenny Baker, Max Von Sydow. 

Tras los muy cuestionados episodios I, II y III que George Lucas nos trajo hace ya más de 10 años, ha llegado la hora de seguir la saga desde donde se dio por terminada,  en aquel sexto episodio llamado "El retorno del Jedi" de 1983. La franquicia ha sido adquirida por los estudios Disney y en la dirección ha tomado el mando J.J. Abrams, quien ya resucitó la saga de Star Trek.

 Abrams tenía el deber moral de devolvernos el espíritu de los filmes rodados entre 1977 y 1983, de recuperar esa esencia y que la película no pareciera la borrachera visual de dibujitos en la que acabó sucumbiendo Lucas en sus dos primeros episodios; en el tercero salió más airoso. Ciertamente lo ha conseguido y con ello ha sabido saciar de pleno el componente nostálgico que una gran parte de los espectadores reclamaba. No es sólo por los abundantes guiños, la película irradia el original estilo de Star Wars en sus escenarios, vestuario y personajes. Abrams ya consiguió esta sensación ochentera con esa pequeña joya llamada "Súper 8".

 Si a todo esto unimos que la película es muy divertida y que la acción y la aventura mantendrán al público bastante entretenido durante sus más de dos horas, todo apunta a que esta nueva entrega es un acierto. Ahora bien, una vez vista, el resultado no es plenamente satisfactorio. Esto se debe a que en esa pretensión de recuperar la trilogía inicial han incluido también los mismos esquemas argumentales; la repetición de situaciones y tramas tan similares o incluso calcadas de aquellas películas, especialmente de la primera, hacen que tengamos la sensación de estar ante un remake más que una continuación.

 Aún así, uno se agarra a las acertadas pero escasas novedades que nos ofrecen y confía en que este séptimo episodio sea una carta de presentación que inicie una trilogía con nuevos rumbos argumentales. Mientras espero que así sea, me quedo, sin duda, con lo mejor de esta película: un estupendo Harrison Ford que brilla más que nunca como Han Solo.

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CALIFICACIÓN: 6

LORCA EN IMÁGENES

LA NOVIA. Dirección: Paula Ortiz. Guión: Paula Ortiz y Javier García Arredondo (basado en "Bodas de sangre" de Federico García Lorca) Fotografía: Miguel Amoedo. Música: Shigeru Umebayashi. Intérpretes: Inma Cuesta, Asier Etxeandía, Álex García, Luisa Gavasa, Carlos Álvarez Novoa, Leticia Dolera, Ana Fernández, María Alfonsa Rosso, Manuela Vellés y Mariana Cordero.

Tras un bien recibido debut en "De tu ventana a la mía", la directora Paula Ortiz nos trae una personal adaptación de la obra de García Lorca, "Bodas de sangre". No sé bien si porque se presupone que todo el mundo conoce la historia de la obra original o si nos quieren dar a entender que el argumento es lo de menos en esta película, pero el caso es que el filme comienza anticipando el desenlace de la historia; un detalle que, sea por la causa que sea, no me acabó de convencer.

Lo cierto es que, más allá de los hechos a narrar, lo que parece importar más en esta película es la recreación visual de los mismos. "La Novia" destaca por el poderío visual que acompaña a los versos de Lorca y consigue envolver al espectador en numerosas ocasiones. La elección de los encuadres, la belleza de su fotografía y la magnífica banda sonora del japonés Shigeru Umebayashi ("Deseando amar") hacen de la película una cuidadísima y delicada obra de arte. Su problema es que, pasado el ecuador de la película, resulta repetitiva tanta ensoñación, tanto simbolismo, tanta cámara lenta... y el filme parece que queda algo ahogado en su propia belleza.

El exceso de lirismo, aunque evitable, no arruina en absoluto una película que encuentra su segunda gran baza en el trabajo de muchos de sus intérpretes. Destacan especialmente una muy convincente Inma Cuesta y sobre todo, el impresionante y desgarrador trabajo de Luisa Gavasa.  Completan con eficacia el reparto: Asier Etxeandía y Álex García como los otros integrantes del triángulo pasional y buenas aportaciones secundarias como las de Ana Fernández, Leticia Dolera o el recientemente fallecido Carlos Álvarez Novoa, que se dio a conocer por su papel en "Solas" de Benito Zambrano.

Paula Ortiz consigue cerrar de manera aceptable una película impecable en su forma y algo desmedida en sus pretensiones. Su original secuencia final supone un estupendo broche para una película que, supongo, no será del agrado de todo tipo de públicos. Sin embargo, sí gustará a aquellos que admiren el texto de Lorca, las buenas interpretaciones y el preciosismo visual de alto nivel. 

"La novia" consiguió ayer nada menos que 12 candidaturas a los próximos premios Goya, que se sumaron a las 9 nominaciones en los premios Feroz de la semana anterior. Así pues, parece que vamos a oír hablar de ella en la inminente temporada de premios.

CONSULTA LAS NOMINACIONES A LOS PREMIOS GOYA

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CALIFICACIÓN: 6-7

¿Y A MÍ QUIÉN ME RESCATA?

TECHO Y COMIDA. Dirección: Juan Miguel del Castillo. Guión: Juan Miguel del Castillo. Fotografía: Manuel Montero y Rodrigo Rezende. Música: Miguel Carabante y Gabriel Quiñones. Intérpretes: Natalia de Molina, Mariana Cordero, Jaime López, Mercedes Hoyos, Gaspar Campuzano, Montse Torrent.

Jerez de la Frontera, año 2012, Rocío es una madre soltera que no recibe ningún subsidio ni ingreso alguno y lucha cada día por dar una vida digna a su pequeño. Mientras, en el país donde vive Rocío sólo se oyen noticias de corrupción, rescate financiero o éxitos futbolísticos. Un país lleno de obstáculos para ella y donde si no fuera por la solidaridad de una vecina y el amor por su hijo, sería imposible sobrevivir.

 Sí, ese país es España, y como Rocío hay millones de casos parecidos; historias que se resisten a quedar en el olvido y el cine es una buena manera de recordarlo. La película, como era de esperar, es un drama desgarrador al que no le hace falta caer en excesos ni hurgar en las heridas, ya que la simple narración de los hechos se basta por sí misma. La cámara se limita a retratar y seguir los pasos de Rocio buscando trabajo o comida y lo que queda constancia en todo momento es de estar viendo algo rotundamente realista y veraz. Sí, "Techo y comida" es un drama sin contemplaciones que no da muchos respiros; sin embargo, el  guión combina con bastante dinamismo las pequeñas subtramas que rodean a la protagonista, haciendo que la historia no parezca tan monótona ni que nos quede la sensación como espectadores de estar ante un drama que nos va ahogando cada vez más.

 Por su parte, Natalia de Molina lleva magníficamente el peso de la película en una interpretación sincera y efectiva en la que no hay ninguna gota de sobreactuación; un regalo de personaje que aprovecha a la perfección. También es digno de mención, el trabajo de las actrices que hacen de vecinas de Rocío con Mariana Cordero a la cabeza.

 Habrá una parte del público que no querrá sentarse en un cine para ver la historia de Rocío y sufrir con ella, es comprensible. De todas formas, nunca está de más una buena ración de realismo cinematográfico bien contado, no para aliviar conciencias por supuesto, pero sí para que tengamos presente que lo que le pasa a Rocío está a la orden del día en nuestro entorno diario, especialmente en estos días en los que tenemos la misión ciudadana de reflexionar.

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CALIFICACIÓN: 7

EL HOMBRE FIRME

EL PUENTE DE LOS ESPÍAS. Dirección: Steven Spielberg. Guión: Matt Chartman, Joel Coen y Ethan Coen. Fotografía: Janusz Kaminski. Música: Thomas Newman. Montaje: Michael Kahn. Intérpretes: Tom Hanks, Mark Rylance, Amy Ryan, Alan Alda, Scott Shepherd, Sebastian Koch, Billy Magnusen, Eve Hewson, Peter McRobbie, Austin Stockwell, Domenick Lombardozzi.

Inspirada en la historia real de James B. Donovan, "El puente de los espías" nos traslada a los primeros años de la Guerra Fría y se centra en el caso de un abogado especializado en seguros al que se le encarga una complicada tarea: defender judicialmente a un espía ruso detenido en suelo americano. Lo que parece una trama sencilla se irá complicando poco a poco hasta llegar a un auténtico conflicto internacional.

 Que este material venga de la mano de Steven Spielberg ya anticipa que hay bastantes posibilidades de ofrecer, con sus más y sus menos, un ejemplo de cine bien hecho.

Efectivamente así lo es. Spielberg da una brillante lección de como narrar una historia de manera impecable, donde ninguna escena sobra, el ritmo está bien calibrado y combina la seriedad de su contenido con su habilidad para entretener. Además, Spielberg sabe profundizar en la personalidad de sus personajes y llenarlos de vida con unos simples detalles. Esta ejemplar labor de dirección está muy bien acompañada por el guión firmado por Matt Chartman y los hermanos Coen, un trabajo muy bien construido que consigue que la historia fluya cómodamente a medida que se va complicando.

"El puente de los espías" es entonces un excelente ejemplo de cine clásico, donde Spielberg ajusta convenientemente el tono para que el espectador viva la aventura sin que nada resulte ni demasiado incómodo ni demasiado amable; una efectiva y astuta visión comercial que no es , en absoluto, un reproche.

 Donde sí se nos ha ido un poco la mano es en el tema patriótico, aspecto que está bastante bien controlado durante todo el filme salvo cuando se trata de reflejar el trato de los prisioneros a uno y otro lado del telón de acero. Un pequeño patinazo que podría haberse evitado fácilmente añadiendo un par de frases o una mínima secuencia, para que a este lado del océano nos pareciera más creíble y no nos saltaran las alarmas de la "americanada". Afortunadamente, ninguna bandera con barras y estrellas ondea al final de la película.

En el apartado interpretativo, pocos como Tom Hanks pueden encarnar tan bien a un héroe tan lleno de honestidad, integridad y firmes convicciones. Hanks aporta una bien calibrada expresividad (genial su escena final en el tren) y veracidad total a un personaje que le viene como anillo al dedo. Pero lo de Hanks uno ya lo intuye, así que con quien se quedará el espectador es con ese bombón de personaje que es el espía ruso interpretado por el británico Mark Rylance. Este espía con una visión tan apacible de la vida, tan humano y entrañable, va a suponer más de una alegría para Rylance. Por el momento, ya ha ganado el premio de la crítica de Nueva York al mejor actor de reparto.

Por otra parte y como es habitual en el cine de Spielberg, el envoltorio técnico y visual es magnífico. En esta ocasión destaca principalmente la fotografía de Janusz Kaminski y la estupenda ambientación y despliegue de decorados que de manera sutil van enmarcando los diferentes capítulos de la historia.

 Llama la atención que esta vez no esté John Williams en la banda sonora, algo que creo sólo había ocurrido una vez, en "El color púrpura", desde nada menos que 1974. El sustituto es un compositor de altura: Thomas Newman ("American Beauty", "Camino a la perdición", "Buscando a Nemo")  quien realiza un trabajo notable pero que tampoco pasará a la historia como una gran banda sonora.

 En definitiva y haciendo balance de todos sus aspectos, una buena y recomendable película. No es un cine arriesgado ni que golpeará conciencias pero sí tiene su punto de reflexión y resulta interesante en todo momento.

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CALIFICACIÓN: 7

Lo próximo de Steven Spielberg.

El próximo verano Spielberg volverá al cine juvenil con una adaptación del libro de Roald Dahl "El gran gigante bonachón", una historia de fantasía en la que unos gigantes pretenden invadir el  Reino Unido para devorar a los niños. En esta película, Spielberg repetirá con el actor Mark Rylance. El guión lo firma la recientemente fallecida Melissa Mathison, quien fue guionista de "E.T. el extraterrestre"

TIERRA SIN LEY

SICARIO. Dirección: Denis Villeneuve. Guión: Taylor Sheridan. Fotografía: Roger Deakins, Música: Jóhan Johansson. Intérpretes: Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin,Victor Garber, Jon Bernthal. Jeffrey Donovan, Daniel Kaluuya, Maximiliano Hernández.

El director canadiense Denis Villeneuve impactó al panorama cinematográfico internacional con la sobrecogedora "Incendies" y en su salto al cine norteamericano, realizó un no menos estremecedor thriller dramático con "Prisioneros". Con la confianza de los productores yanquis bien ganada nos presenta "Sicario", una película sobre las dificultades de una fuerza de élite norteamericana para controlar la zona fronteriza entre México y Estados Unidos, una tierra donde los narcotraficantes y asesinos campan a sus anchas.

 Denis Villenueve nos da otra buena muestra de su potente estilo cinematográfico, describiendo con crudeza y sin medias tintas el entorno donde sucede el argumento. Villeneuve sabe transmitir la tensión, logrando un buen puñado de grandes momentos donde el público sentirá el peligro que acecha en todo momento a la protagonista, una estupenda Emily Blunt.

Si a este buen ejercicio de dirección le añadimos el eficaz trabajo de su reparto, especialmente de Benicio Del Toro o la magnífica fotografía del gran  Roger Deakins con su habitual detalle dando luminosidad a cada fotograma, tenemos una película globalmente notable. Lástima que todos estos aspectos no estén debidamente cimentados por un guión bien elaborado y sólido. Sin llegar a desequilibrar el conjunto, si se echa en falta que dicho guión profundice más en sus personajes, ofrezca una explicación algo más detallada de lo que acontece y no resuelva a brochazos explicaciones que resultan cruciales para la película.

 Por encima de estos defectos de base, lo que prevalece una vez la película ha concluido, es esa atmósfera conseguida por Villeneuve y las numerosas imágenes que quedarán en la retina del espectador: desde las impresionantes tomas de Ciudad Juárez hasta la secuencia de la emboscada nocturna. Sin duda, un filme contundente y atractivo.

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CALIFICACIÓN: 7

LA INEVITABLE SECUELA

8 APELLIDOS CATALANES. Dirección: Emilio Martínez Lázaro. Guión: Borja Cobeaga y Diego San José. Fotografía: Juan Molina. Música: Roque Baños. Intérpretes: Dani Rovira, Clara Lago, Berto Romero, Kaarra Elejalde, Carmen Machi, Rosa María Sardá, Belén Cuesta, Alfonso Sánchez, Albero López.

El inesperado e histórico éxito de "8 apellidos vascos" tenía que aprovecharse, el negocio manda y no se podía perder la oportunidad. En menos de dos años ya se las han arreglado para traernos una secuela con los mismos personajes y nuevas incorporaciones al trasladar la acción a Cataluña. Es imposible igualar el éxito de la primera parte, una simpática y divertida comedia cuya recaudación superó cualquier expectativa; pero con tal precedente, el taquillazo está más que garantizado. Además, se percibe en la sala que el público va medianamente condicionado y con ganas de reír...casi de cualquier cosa. Este efecto terapéutico de la comedia se nota en sus primeras escenas, pero las risas de una sala a reventar se diluyen un poco a medida que avanza la película.

Y es que la película es, hablando claro, floja. Sus guionistas han forzado un guión, más que escribirlo, para que se repitan personajes y situaciones. Sí, hay chistes casi cada 20 segundos, pero no se oyen las carcajadas de la primera entrega. Si en "8 apellidos vascos" el uso de los tópicos fluía con gracia, aquí, salvo excepciones, están metidos con calzador. No es que uno espere una gran sorpresa en su argumento, pero es tan predecible desde sus primeras escenas que llego a perder el interés por lo que pasa. La sonrisa con la que la disfruto en su primera mitad se convierte en una desilusión en su tramo final y lo peor de todo es que, lamentablemente, uno se temía que esto iba a ocurrir.

Sus estupendos actores hacen lo que pueden para levantar la película, las incorporaciones de Sardá y Romero están bien, pero son Machi y Elejalde quienes me hacen reír más con sus ocurrencias. No llego a simpatizar con el personaje de Clara Lago y Dani Rovira, a quien considero un tipo gracioso y genial monologuista, estuvo más inspirado en la primera película.  Eso sí, el epílogo es muy gracioso.

  La película será un éxito, seguro, y si sólo mandase el dinero habría otra secuela, por mucho que pensemos que su argumento no da más de sí... Bienvenida sea si eso eleva la cuota de nuestro cine, aunque en esa posible y futura ocasión, yo no acudiré a verla. La pregunta es ¿Mandará el dinero o la dignidad artística? 

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CALIFICACIÓN: 4

UNA FAMILIA... NORMAL

EL CLAN. Dirección: Pablo Trapero. Guión: Pablo Trapero. Fotografía: Julián Apezteguía. Música: Sebastián Escofet. Intérpretes: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Inés Popovich, Gaston Cocciaralle, Giselle Motta, Franco Massini, Antonia Bengoechea.

Basada en una historia real que impactó a la sociedad argentina en la década de los 80, "El clan" narra las vicisitudes de una familia respetada y de apariencia normal que ocultaba un espeluznante secreto. El primer consejo para cualquier persona interesada en ver la película es que no indague absolutamente nada sobre los suceso reales, ya sabéis que internet puede suponer un gran spoiler para los más curiosos.

Hecha la advertencia, sólo hay que dejarse llevar por esta película en la que su director, Pablo Trapero, demuestra una vez más su gusto por los planos secuencia como ya hizo en "Elefante blanco".  Lo que más llama la atención de Trapero es la falta de juicio a sus personajes y su astuta intención de mostrar el contraste de la normalidad de una familia corriente, sus tertulias en la mesa, los deberes de los hijos, los trabajos... con el horror más absoluto compartiendo el mismo techo. Me gusta esa selección de canciones tan animadas y alegres en los momentos más crueles de la película, me recuerda un poco al Scorsese más mafioso. Sin embargo, echo en falta que se explore más en las motivaciones del líder del clan, el patriarca Arquímedes Puccio, incluso en las de su fiel esposa.

Pero por encima de su dirección, el bien elaborado guión y ese desenlace que deja boquiabierto, está el escalofriante trabajo de Guillermo Francella, un ejemplo de cómo matar con una mirada potente. Francella, al que recordamos por ser el compañero de Ricardo Darín en "El Secreto de sus ojos", tiene el personaje tan bien asumido que transmite hasta cuando sólo le vemos el cogote. En definitiva, un título muy recomendable que es la opción Argentina para los próximos Oscar. Además, obtuvo un merecido premio a la mejor dirección en el pasado Festival de Venecia.

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CALIFICACIÓN: 7-8

Y VAN 24...

SPECTRE. Dirección: Sam Mendes. Guión: John Logan, Neal Purvis, Robert Wade, Jezz Butterworth ( basado en los personajes de Ian Flemming) Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Música: Thomas Newman. Intérpretes: Daniel Craig, Léa Seydoux, Christoph Waltz, Ralph Fiennes, Monica Bellucci, Ben Whishaw, Rori Kinnear, Dave Bautista, Andrew Scott.

 Cuando una saga cinematográfica llega a su vigésimo cuarta entrega, uno ya sabe a lo que se enfrenta. A pesar de las renovaciones y cambios de cara que ha tenido a lo largo de décadas, la esencia de Bond siempre va a estar presente: su don de la ubicuidad; su atractivo para las mujeres; su fino sentido del humor; los cachivaches que utiliza y, sobre todo, la capacidad de liarla parda allá donde se presenta.

 En este sentido, "Spectre" no decepcionará a fans y seguidores de la saga, porque ofrece una entretenida ración de Bond, puro Bond... Incluyendo esos horteras títulos de crédito iniciales.

Ahora bien, después de la nueva tanda de películas con Daniel Craig a la cabeza y, especialmente, después del subidón de nivel que supuso "Skyfall", se esperaba algo más. Es cierto que el comienzo de la película en México D.F. es una impresionante secuencia que crea grandes expectativas, pero el desarrollo posterior no está a la altura, a pesar de la espectacularidad de sus escenarios y diseño de producción.

 El hecho de que no tenga la tensión que  "Skyfall" sí transmitía, ni su elegancia visual, gracias al gran Roger Deakins en la fotografía,  hace que los normalmente perdonables tópicos de Bond pesen más de la cuenta.  Algunas situaciones de encuentros entre Bond y Waltz son de lo más forzadas y ridículas; que el villano alargue absurdamente estas escenas, recuerda, en ocasiones, a las parodias de "Austin Powers". Lamentable y evitable.

 Por otro lado, no veo mucha química entre la pareja de Craig con Léa Seydoux y como villano, Christoph Waltz está bastante desaprovechado... Y es que el Bardem de "Skyfall" sigue siendo uno de los mejores villanos de la serie. En definitiva, estamos ante un Bond discreto y entretenido pero decepcionante si lo comparamos con su estupenda predecesora.

El próximo Bond. Daniel Craig tiene firmado para una entrega más, así que ya se especula sobre quién será el próximo actor en encarnar a 007. Entre los favoritos para interpretar a Bond, Thomas Hardy, Michael Fassbender, Idris Elba y Richard Armitage... Hagan sus apuestas. 

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CALIFICACIÓN: 5

AFÁN POR EL CAOS

MI GRAN NOCHE. Dirección: Álex de la Iglesia. Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. Fotografía: Ángel Amorós. Música: Joan Valent. Intérpretes: Raphael, Pepón Nieto, Mario Casas, Hugo Silva, Blanca Suárez, Carolina Bang, Carmen Machi, Santiago Segura, Enrique Villén, Carlos Areces, Luis Callejo, Jaime Ordóñez, Carmen Ruiz, Terele Pávez, Marta Guerras.

Álex de la Iglesia vuelve a la carga con una alocada historia que transcurre en la grabación de uno de esos casposos shows de variedades que suelen emitirse la noche de fin de año. Toda una galería de caricaturescos personajes desfilarán por una película en la que se mezclan cantantes y presentadores de éxito; directivos de televisión corruptos; técnicos que amenazan con un piquete y figurantes obligados a aplaudir que llevan una semana de grabación manteniendo la compostura.

En una vibrante primera parte, "Mi gran noche" promete diversión  y lo consigue. Sus diferentes personajes se van presentando a un estupendo ritmo y con más de una intervención que hará reír al personal. Se nota el gusto del director por el caos, por esas secuencias en las que circulan innumerables personajes al mismo tiempo y en diferentes situaciones. Esta difícil tarea de dirección es una cualidad que Álex de la Iglesia domina a la perfección y es probablemente uno de sus sellos de identidad.

Sin embargo, en su último tercio el globo empieza a desinflarse. El citado caos controlado empieza a mostrar fisuras al salir a flote incongruencias y trampas en un guión que no puede sostener el jaleo que ha iniciado. La película va cayendo poco a poco y es rematada a brochazo limpio con un , llamemos "homenaje", a ese gran clásico de la comedia que es "El Guateque" de Blake Edwards.

Una vez confirmado que el disparate se adueña finalmente de la película, uno lamenta que las historias de esos figurantes podrían haber dado más de sí. Así pues, son unos divertidísimos intérpretes lo que mantiene la película a flote.

El director sí ha sabido sacar un buen partido de su numeroso elenco, y es complicado destacar especialmente a alguno de ellos, ya que todos resultan graciosos demuestran su mejor lado cómico. Bueno sí... Sí que habría que destacar una cosa, que Raphael es grande... Muy grande.

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CALIFICACIÓN: 5

EL VALOR DE LA AMISTAD

TRUMAN. Dirección: Cesc Gay Guión: Cesc Gay y Tomás Aragay. Fotografía: Andreu Rebés Música: Nico Cota y Toti Soler Intérpretes: Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi, Álex Brendemühl, Eduard Fernández, José Luis Gómez, Oriol Pla, Javier Gutiérrez, Francesc Orella, Elvira Mínguez, Ana Gracia, Susi Sánchez, Ágata Roca, Silvia Abascal, Nathalie Poza, Pedro Casablanc.

 Tomás viaja a España desde Canadá para reencontrarse y pasar 4 días con su mejor amigo, Julián, un actor argentino afincado en España que no está pasando, precisamente, por sus mejores momentos. A ambos les une una gran amistad: una relación de esas en las que no se necesita pedir nada a cambio; hay admiración mutua y confianza total par reprochar lo que haga falta. Entre ellos, un viejo perro, Truman, que será el silencioso testigo y parte del argumento del filme.
  "Truman" es una película en la que, desde el comienzo, uno entra cómodamente en ella y pasado un rato, te entran ganas de quedarte horas y horas disfrutando del tragicómico encanto que desprende. Una de las causas de esta sensación, es la elegancia y delicadeza con la que Cesc Gay ha rodado esta película, destacando la suavidad de su ritmo y de sus transiciones entre una secuencia y otra.

También contribuye al bienestar cinematográfico que produce, el maravilloso trabajo de guión con unos diálogos en los que hay ingenio e ironía pero sin resultar artificiosos ni forzados. Y es que en Truman todo fluye de manera muy natural y su aparentemente simple historia va sumando detalles interesantes a medida que avanza la trama.

 Sin embargo y, por descontado, el punto fuerte del disfrute que supone "Truman" es su trabajo actoral. Ricardo Darín pocas veces ha estado tan inmenso y sobrecogedor, acompañado de un Javier Cámara que casi no necesitaría hablar porque su expresividad, creíble y comedida, ya nos lo transmite todo. Ambos dan una lección de interpretación que fue premiada con la Concha de plata del último Festival de San Sebastián... Y lo que vendrá.

Además, "Truman" nos presenta una galería de magníficos secundarios de la talla de Javier Gutiérrez, Eduard Fernández, José Luis Gómez, Elvira Mínguez, Álex Bendremühl... entre otros, que aportan unas magistrales y breves intervenciones que suponen un auténtico placer para cualquier admirador del trabajo interpretativo y llenan la película de energía y autenticidad.

 Cesc Gay ha conseguido una película conmovedora que se sigue con una sonrisa perpetua y unos ojos vidriosos, y que ofrece algún momento donde con sutileza y sin excesos, más de uno sucumbirá a sus emociones y echará alguna que otra lágrima. Eso sí, lágrimas provocadas sin trampas, nada gratuitas; saludables lágrimas de auténtica emoción. En definitiva, una película muy recomendable y, hasta la fecha, la mejor película española del año.

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CALIFICACIÓN: 9